Mostrar mensagens com a etiqueta décès. Mostrar todas as mensagens
Mostrar mensagens com a etiqueta décès. Mostrar todas as mensagens

quarta-feira, 2 de setembro de 2026

Jean-Paul Rappeneau, le grand romanesque du cinéma français, est mort à l’âge de 94 ans

Le réalisateur de “Cyrano de Bergerac” est mort ce 1er septembre 2026, a annoncé un de ses fils ce mercredi à l’AFP.  


Écrit par Charlotte Monterrat 

Ce 1er septembre 2026, le réalisateur et scénariste Jean-Paul Rappeneau est mort à l’âge de 94 ans. Il est connu pour avoir su réconcilier le cinéma d’auteur exigeant et le cinéma grand public. Avide de raconter des histoires et de se mettre en scène, il s’est imposé comme une figure de la comédie française populaire, travaillant d’abord en tant que scénariste auprès de ses pères : Louis Malle avec Zazie dans le métro (1959) ou encore Philippe de Broca avec Le Magnifique (1973).  

Grand perfectionniste, il est le réalisateur de huit longs métrages qui marqueront à jamais le cinéma français. Il affirmait d’ailleurs : “Il me faut des années pour faire un film. Quand il sort, c’est une partie de ma vie qui s’achève.” Son premier long, La Vie de château met en scène Catherine Deneuve et Philippe Noiret. Son goût de diriger de grand·es acteur·rices ne fait que commencer, puisqu’il choisit Yves Montand dans Le Sauvage (1975) puis Isabelle Adjani dans Tout feu tout flamme (1981). Rappeneau est aussi un amateur des mises en scène d’époque avec Les Mariés de l’an II (1971), Cyrano de Bergerac (1990) interprété par Gérard Depardieu et Le Hussard sur le toit (1995).  

Adoré du grand public et respecté de la critique 

Le pari d’adapter le monument du théâtre de Jean Rostand lui vaudra un grand succès public ainsi que le César du meilleur réalisateur, celui du meilleur film, une nomination aux Oscars et il remporte également le Golden Globe du meilleur film en langue étrangère en 1991. 

En plus de 50 ans de carrière, ses comédies populaires pleines de panache devenues aujourd’hui cultes ont marqué le cinéma français. Adoré du grand public et respecté de la critique, il doit sans doute son succès à des films épiques, mêlant élégance, humour et mélancolie. Cette capacité à lier succès critique et populaire se retrouve aujourd’hui dans le cinéma de Pierre Salvadori, l’un de ses héritiers.  

 

[Photo : VALERIE MACON / AFP - source : www.lesinrocks.com]

quarta-feira, 26 de agosto de 2026

Murió Ruben Rada, emblema de la música uruguaya, a los 83 años

No pudo sobreponerse a una neumonía que lo aquejó en las últimas semanas. Tenía pensado volver a juntarse con el grupo Tótem.

Rubén Rada (1943-2026)

El músico uruguayo Ruben Rada, uno de los más importantes de su país, falleció a los 83 años en Montevideo. Así o informó su familia a través de las redes sociales.

 

“Con muchísimo dolor les comunicamos que hoy miércoles 26 de agosto a las 15:30 hs. se fue y ahora descansa en paz nuestro querido esposo, padre y abuelo, después de pelear un mes contra una neumonía y sus complicaciones”, dice el comunicado.


 

Rada había sido hospitalizado en Montevideo de urgencia luego de ser diagnosticado con neumonía bilateral. En 2015, había debido someterse a una angioplastía coronaria, y ese antecedente hizo saltar las alarmas al conocerse de su internación en estas horas.

 

Semanas antes de su internación, Rada había lanzado un ciclo titulado ¿Quién va a cantar?, que se puede ver a través de YouTube. Allí, reunía a artistas de diversos géneros para encuentros musicales. 


Hasta el momento, el único de los videos publicados es junto a Sebastián Teysera, líder de La Vela Puerca. Los artistas interpretan canciones como “El viejo” y “Biafra”, esta última de la banda Totem, que Rada integró junto a Eduardo Useta y Mario “Chichito” Cabral en los ‘70.

Rada había nacido el 16 de julio de 1943 en la capital uruguaya. El músico, un ícono del candombe, estaba abocado a la reunión del grupo Tótem, con el que había lanzado su carrera en los años setenta. Hasta poco antes de su muerte estaban confirmados dos conciertos en la Sala Zitarrosa de Montevideo para el próximo mes de octubre.

 

Previo a Tótem, Rada formó parte de El Kinto con Eduardo Useta y el mítico Eduardo Mateo. Formado en el candombe en su Montevideo natal, el músico batalló con problemas de salud desde su niñez, cuando a los dos años contrajo tuberculosis.


 

Su carrera se ha extendido por más de seis décadas desde sus inicios en 1958 como vocalista del conjunto de jazz Los Hot Blowers. Allí tenía el seudónimo de Richie Silver.

Desde entonces, su trayectoria cosechó admiración y respeto a ambos lados del Río de la Plata.

Estos son varias de las primeras reacciones en X ante la noticia de su fallecimiento.

 

 

[Foto: Cristina Sille - fuente: www.pagina12.com.ar]

quarta-feira, 5 de agosto de 2026

Morre o guitarrista flamenco Pepe Habichuela aos 82 anos

O músico granadino faleceu en Madrid tras unha enfermidade que o tiña apartado dos escenarios desde o verán do 2024 


José Antonio Carmona Carmona, coñecido artisticamente como Pepe Habichuela, unha das grandes figuras da guitarra flamenca e un dos nomes imprescindibles da  música nacional faleceu este martes aos 82 anos en Madrid, onde residía, tras unha enfermidade que o tiña apartado dos escenarios desde o verán de 2024, cando acumulou os seus últimos recoñecementos. 

Nado en Granada en 1944, Pepe Habichuela pertencía a unha das grandes familias do flamenco. Era neto de Habichuela o Vello e continuou unha tradición familiar que tamén seguiron o seu pai e os seus irmáns Juan, Luis e Carlos. O seu legado quedou especialmente ligado a Ketama, grupo no que militaron o seu fillo, Josemi Carmona, e os seus sobriños Juan e Antonio, e que levou a música flamenca cara a novos sons e públicos. 

A súa forma de entender a guitarra rompeu fronteiras e abriu novos camiños para as seis cordas, converténdose nunha figura crave para a evolución do xénero durante a segunda metade do século XX e as primeiras décadas do XXI. A súa traxectoria, de máis de medio século, estivo marcada pola procura de novas fórmulas sen renunciar ás raíces da música flamenca.

En 1964, Pepe Habichuela deu o salto a Madrid, onde se instalou por invitación do seu irmán Juan Habichuela. Alí, comezou a derramar o seu talento polos taboados do foro e, progresivamente, pasou a participar en gravacións xunto a ningúns dos grandes nomes do flamenco da época como Juanito Valderrama, entre outros moitos. Na lista non podía faltar Enrique Morente, con quen asinou dúas obras innovadoras que revolucionaron o flamenco.

Así mesmo, debido á súa inquietude musical ao longo da súa carreira compartiu escenario e proxectos con grandes nomes da música, explorando a unión entre o flamenco, o jazz e outras correntes musicais, pero sen perder a esencia do toque tradicional.

Recoñecementos e distincións

A importancia da súa carreira foi recoñecida con numerosos recoñecementos e distincións. Pero, no 2024 unha enfermidade afastoulle dos escenarios, despois de recibir homenaxes nas Noites do botánico de Madrid ou o Castillete de Oro do Festival A Unión, entre outros. En 2018, recibiu a Medalla de Oro ao Mérito nas Belas Artes, ao que engadiu a Gran Cruz da Orde Civil de Alfonso X o Sabio neste mesmo ano.

O mundo flamenco despide a un dos nomes que o levaron ao seu máximo expoñente. Coa súa morte, o mundo da música perde a un dos guitarristas máis influentes, pero permanece unha obra que marcou o camiño de moitos artistas e que converteu a Pepe Habichuela nun referente eterno das seis cordas.

 

[Fonte: www.lavozdegalicia.es]

domingo, 2 de agosto de 2026

Il Museo Nazionale del Cinema dedica una grande mostra a Gillo Pontecorvo e al suo archivio

A vent'anni dalla morte di Gillo Pontecorvo e a sessant'anni dal Leone d'Oro assegnato a La battaglia di Algeri, il Museo Nazionale del Cinema inaugura ala Mole Antonelliana una mostra costruita attorno al vasto archivio personale del regista, conservato a Torino dal 2013 grazie alla donazione della famiglia. 

Gillo Pontecorvo. Una battaglia dopo l’altra, visitabile dal 16 settembre 2026 al 5 aprile 2027 negli spazi del piano di accoglienza della Mole, rappresenta il primo tentativo sistematico di restituire al pubblico il funzionamento del laboratorio creativo di uno dei cineasti più influenti del secondo Novecento italiano attraverso materiali di lavoro, sceneggiature annotate, corrispondenza, fotografie, documenti preparatori e filmati provenienti dal Fondo Pontecorvo del Museo.

La mostra, curata da Mauro Genovese con Caterina Massignani, si sviluppa seguendo le principali questioni storiche e politiche che attraversano la biografia del regista e la sua filmografia: l’esperienza della Resistenza, la memoria della Shoah, i processi di decolonizzazione, le lotte di liberazione nazionale e i conflitti sociali del secondo dopoguerra.

Pontecorvo appartiene infatti a quella generazione di autori europei per i quali il cinema costituiva innanzitutto uno strumento di analisi storica e politica. La sua produzione rimane relativamente esigua — poco più di una decina di opere nell’arco di oltre quarant’anni — ma ha esercitato un’influenza che supera largamente la dimensione quantitativa della filmografia.

Il percorso espositivo dedica particolare attenzione a La battaglia di Algeri (1966), probabilmente il titolo che più di ogni altro ha contribuito a ridefinire il rapporto tra cinema politico e rappresentazione storica. Realizzato con il sostegno del governo algerino pochi anni dopo l’indipendenza e scritto insieme a Franco Solinas, il film adottava tecniche visive vicine al reportage televisivo e al documentario per ricostruire la guerriglia urbana nella Casbah durante la guerra d’Algeria.

L’impatto internazionale dell’opera è stato tale da oltrepassare il terreno strettamente cinematografico. Nel corso dei decenni il film è stato studiato tanto dai movimenti di liberazione nazionale quanto dagli apparati militari occidentali; nel 2003 il Dipartimento della Difesa statunitense organizzò una proiezione interna durante la guerra in Iraq, considerandolo uno strumento utile per comprendere le dinamiche della controinsurrezione e della guerra urbana contemporanea.

Accanto al film premiato a Venezia nel 1966 trovano spazio anche gli altri snodi della carriera del regista: Giovanna (1955), Kapò (1960), uno dei primi film europei a confrontarsi direttamente con la deportazione nei campi di concentramento, e Queimada (1969), riflessione sul colonialismo e sui meccanismi economici dell’imperialismo costruita attorno alla figura ambigua dell’agente britannico interpretato da Marlon Brando.

Una sezione è dedicata inoltre a Il sole sorge ancora di Aldo Vergano, film della Resistenza del 1946 nel quale Pontecorvo comparve come attore prima di intraprendere definitivamente la strada della regia.

L’esposizione ricostruisce anche la rete di collaborazioni che accompagnò il lavoro del regista. Centrale fu il rapporto con Franco Solinas, tra gli sceneggiatori politicamente più influenti del cinema europeo del dopoguerra, e quello con Ennio Morricone, autore di partiture che contribuirono in maniera decisiva alla costruzione della tensione narrativa di opere come La battaglia di Algeri e Queimada. Ugualmente significativa fu la collaborazione con Yacef Saadi, ex dirigente del Fronte di Liberazione Nazionale algerino che partecipò alla produzione del film del 1966 interpretando inoltre il proprio ruolo storico sullo schermo.

La mostra dedica spazio anche agli anni della direzione della Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia, incarico ricoperto da Pontecorvo tra il 1992 e il 1996, e successivamente alla presidenza di Cinecittà, a testimonianza di un’attività che si estese ben oltre la sola pratica registica.

Tra gli elementi più significativi dell’esposizione figura il prestito del Leone d’Oro originale assegnato nel 1966 a La battaglia di Algeri, presentato per la prima volta al pubblico insieme ai materiali preparatori del film.

Il progetto sarà accompagnato da una rassegna cinematografica al Cinema Massimo, da attività didattiche e da un programma di cinelezioni rivolte alle scuole, in continuità con una delle convinzioni che hanno attraversato l’intero percorso di Pontecorvo: l’idea che il cinema possa rappresentare non soltanto una forma artistica, ma anche uno strumento di educazione storica e di cittadinanza critica.

Gillo Pontecorvo. Una battaglia dopo l’altra
Museo Nazionale del Cinema – Mole Antonelliana, Torino
16 settembre 2026 – 5 aprile 2027

 

[Fonte: www.indie-eye.it]



quinta-feira, 23 de julho de 2026

Addio a Luiz Carlos Barreto, il gigante del cinema brasiliano

Con la moglie Lucy fondò la storica LC Barreto, contribuendo alla nascita di capolavori come Vite secche, Terra in trance, Bye Bye Brasil e Donna Flor e i suoi due mariti. Aveva 98 anni 

Luiz Carlos Barreto

di Paolo Martini

Il Brasile ha perso uno dei grandi protagonisti della propria storia cinematografica, un produttore visionario e instancabile promotore di talenti: Luiz Carlos Barreto, figura fondamentale del Cinema Novo, il movimento che negli anni Sessanta rivoluzionò il linguaggio del grande schermo del Paese latino americano, è morto all'età di 98 anni all’ospedale Copa Star di Rio de Janeiro dove era ricoverato dopo un progressivo peggioramento delle sue condizioni di salute. La notizia della scomparsa è stata confermata dalla famiglia al quotidiano brasiliano "O Globo". Il produttore, conosciuto con il soprannome di “Barretão”, aveva avuto problemi di salute dopo una caduta avvenuta nel 2024, durante una cerimonia organizzata in suo onore nello Stato natale del Ceará.

Nel corso di oltre sessant’anni di carriera, Luiz Carlos Barreto ha ricoperto diversi ruoli nel mondo del cinema: produttore, direttore della fotografia, sceneggiatore e regista. Il suo nome è legato alla realizzazione di più di 80 film e a una stagione artistica che ha portato il cinema brasiliano all’attenzione internazionale. Nato il 20 maggio 1928 a Sobral, nello Stato del Ceará, Barreto arrivò a Rio de Janeiro nel 1947. Dopo gli inizi come giornalista e fotoreporter per importanti riviste brasiliane, tra cui "A Cigarra" e "O Cruzeiro", scoprì il cinema durante un soggiorno a Parigi, dove frequentò l’Idhec, l’Istituto di studi cinematografici. Più che nelle aule, però, la sua formazione avvenne sui set francesi, osservando il lavoro di registi e produttori. Il suo percorso cinematografico iniziò negli anni Sessanta, quando entrò in contatto con alcuni dei protagonisti del nuovo cinema brasiliano. Dopo aver collaborato alla realizzazione di "Assalto al treno postale", nel 1963 fondò insieme alla moglie Lucy la casa di produzione LC Barreto Produções Cinematográficas, destinata a diventare una delle realtà più importanti dell’industria audiovisiva brasiliana.

Come produttore contribuì alla nascita di opere fondamentali del Cinema Novo e del cinema d’autore brasiliano. Tra queste "Garrincha - Gioia del popolo" (1963), "Vite secche" (1963), "Terra in trance" (1967), "Antonio delle Morti" (1969), "Bye Bye Brasil" (1980) e "Memorie del carcere" (1984). Il più grande successo popolare arrivò nel 1976 con "Donna Flor e i suoi due mariti", diretto dal figlio Bruno Barreto e tratto dal romanzo di Jorge Amado. Il film portò nelle sale brasiliane quasi 11 milioni di spettatori, diventando uno dei maggiori fenomeni commerciali della cinematografia nazionale.

La famiglia Barreto ha rappresentato una vera dinastia del cinema brasiliano. Luiz Carlos e Lucy condivisero vita privata e professionale per oltre settant’anni, costruendo una casa di produzione capace di lanciare nuove generazioni di registi.

I figli Bruno, Fábio e Paula hanno seguito il loro percorso artistico: Bruno e Fábio sono diventati registi, mentre Paula ha continuato il lavoro nella produzione cinematografica. Alla storia internazionale del cinema Barreto ha legato anche due candidature all’Oscar per il miglior film internazionale: "O Quatrilho - Un gioco di fascino e seduzione" (1995), diretto da Fábio Barreto, e "4 giorni a settembre" (1997), diretto da Bruno Barreto.  

 

[Foto: Ivone Perez - evento Pró Dilma Teatro - Casa Grande - Rio de Janeiro 18/10/10 - fonte: www.cinematografo.it ]


El monument a la llengua de Josep Vallverdú

La mort de Josep Vallverdú a 103 anys posa punt final a l'obra magnífica d’un dels autors més longeus i alhora prolífics de la literatura catalana: fidel a la llengua i tenaç en l’escriptura, va conrear la traducció, la narrativa, la literatura infantil i juvenil «perquè convenia que la quitxalla tingués llibres en català», la poesia, el teatre i grans llibres de memòria. 

Josep Vallverdú, amb cent anys 

Escrit per Àlex Milian 

N’hi ha autors que se centren a construir un monument literari amb grans pedres. Una base ampla i resistent, quatre o cinc carreus molt treballats i col·locats un damunt de l’altre en forma de columna que coronen amb un colofó genial. N’hi ha d’altres que van sumant pedres i més pedres a una muntanya de roques que pot ser finalment una piràmide o una cabana de pastor. Josep Vallverdú és d’aquests últims. Va començar molt jove a treballar en traduccions i en novel·les juvenils per preparar-se —i cobrir les necessitats— i va començar a escriure, amb estil i de manera irrefrenable, una obra literària de més de dos-cents títols entre narrativa, poesia, memòries, assaig i teatre. Deixem de banda els dibuixos i caricatures, que també són Vallverdú per molt que no tinguin la màgia de la seva literatura. Mai li va faltar imaginació i sempre el va empènyer l’amor per la llengua.

Josep Vallverdú, que va morir el 21 de juliol a 103 anys, ho explicava en dues de les seves últimes obres memorialístiques, La llengua viscuda (Tres i quatre, 2023) i Mosaic de tardor (Proa, 2023). En una literatura com la catalana, que travessava el segle XX amb la pressió contrària de dues dictadures catalanòfobes, Vallverdú —amb la ingent quantitat d’obres escrites— va esdevindre una màquina de combatre el feixisme. 

Vallverdú en el seu estudi (2023)

La llengua necessitava obres infantils, juvenils i de tota mena per minimitzar els danys terribles del franquisme i ell en va posar més de 200 a disposició del públic adult i infantil. «Vaig fer literatura juvenil perquè convenia que la quitxalla tingués llibres en català», deia ell a EL TEMPS en l’entrevista que li vam fer pels seus cent anys. Com Joaquim Carbó, Sebastià Sorribas i Emili Teixidor.

La llengua viscuda, Vallverdú recordava les estratègies que la censura franquista utilitzava per no dir que prohibia i, malgrat tot, posar bastons a les rodes. Una era obligar a publicar una reedició de poesia, en aquell cas concret Joan Maragall, amb la normativa prefabriana —la qual cosa desencoratjava els editors ràpidament perquè la nova edició perdia tot el sentit. Una altra era permetre l’estrena d'una obra de teatre en català, però no deixar programar-la més d’un dia (la qual cosa feia inassumible econòmicament una producció seriosa i volia condemnar el teatre català a l’amateurisme).

Josep Vallverdú, rialler i reflexiu 

Prolífic i ràpid

Com una mena de Pedrolo tot terreny (el de l’Aranyó volia omplir el buit en tota la literatura de gènere, des de la novel·la negra a la ciència-ficció), Vallverdú va aprofitar la seva vena prolífica, que li permetia una escriptura ágil. 

Vallverdú va escriure el seu llibre més exitós, Rovelló, en només onze tardes aïllat al mig del camp entre el cant monòton de les cigales i la visita d’alguna serp inofensiva. O això deia ell. 

N’hi ha lliçons que surten a raig 

L’escriptor lleidatà, que efectivament tenia en Pedrolo un dels seus referents, recordava que aquell deia «Escriure és estil, estil i estil». I defensa haver escrit uns quants llibres tan bons o millors que Rovelló, com En Roc Drapaire, Bernat i els bandolers, El fill de la pluja d’or, etc. però els mestres de les escoles continuen preferint Rovelló. Fa uns anys, aquesta tria podria atribuir-se a la sèrie d’animació que ha fet encara més popular el gos Rovelló, però la sèrie resta gairebé oblidada (o desconeguda per una altra generació) i Rovelló continua semblant una d’aquelles obres tocades per una màgia especial. Vallverdú, gens donat a explicacions místiques, raonava una argumentació coherent amb les crítiques que li han fet de l’obra: «Sí que hi ha una explicació per a aquest cas [de Rovelló]. A un psicòleg americà li vaig llegir que els anys transcorreguts entre el primer i el novè any d’un nen equivalen a les experiències del primer any de la vida del gos. Com aprèn el nen? A base de trompades. Així va el gos també. Aleshores em vaig dir: “Fes una història d’un gos que sigui un resum de tots els gossos”». D’alguna manera, havia encertat la història i la manera de contar-la.  

L’intent de trobar raons per a tot és una de les característiques de la literatura de Vallverdú, des de la juvenil fins a la memorialística. Constantment, en el seu treball de recordar els fets de la seva vida, hi ha la intenció última de trobar una causa, fins i tot, al seu comportament. Vallverdú busca en la seva infantesa arrels del seu amor per la llengua, de la seva dèria per contar històries. 

L’escriptor lleidatà no tenia afany de protagonisme. Hauria preferit ser guionista perquè així no hauria d’haver fet tantes presentacions de llibres. «No soc una persona esquerpa i soc comunicatiu» però tantes presentacions l’afartaven. I, malgrat això, no perdia l’humor. 

El seu veritable mitjà d’expressió —el preferit per comunicar-se amb el seu públic— era a través de la seva literatura i és per això que cal acomiadar-lo justament amb l’últim paràgraf de La llengua viscuda: «Voldria jo conservar la torxa encesa en l’exaltació de la llengua que és pigall per als meus passos, reserva per a la meva set i nau a bord de la qual cerco la llibertat»

 

[Fotos: JORDI PLAY - font: www.eltemps.cat]


quarta-feira, 22 de julho de 2026

S’ha mort a cent tres anys Josep Vallverdú, degà de les lletres catalanes

L'autor lleidatà, una de les figures cabdals de la literatura catalana contemporània, deixa una obra extensíssima i el record inesborrable de Rovelló, que va iniciar generacions de lectors en la lectura  


Escrit per Alexandre Solano

L’escriptor Josep Vallverdú s’ha mort a cent tres anys, segons que ha avançat TV3 i ha confirmat el diari La Mañana de fonts de la família. Amb ell desapareix una de les grans figures de les lletres catalanes contemporànies, autor d’una obra vastíssima que abraça la narrativa, la poesia, l’assaig, les memòries, la traducció i, molt especialment, la literatura infantil i juvenil, de la qual fou un dels grans renovadors.

Vallverdú havia dedicat tota la vida a escriure, ensenyar i defensar la llengua catalana. Per a unes quantes generacions de lectors, el seu nom quedarà lligat per sempre a Rovelló, el gos entremaliat que esdevingué un dels personatges més populars de la literatura infantil catalana. Però la seva obra, de més de dos-cents títols, va molt més enllà d’aquest personatge. Fou novel·lista, poeta, memorialista, traductor, articulista i assagista, i mantingué fins a una edat molt avançada una capacitat de treball gairebé inabastable.

Nascut a Lleida el 9 de juliol de 1923, Vallverdú va ser testimoni de més d’un segle d’història catalana. Va viure la dictadura de Primo de Rivera, la República, la guerra, la postguerra i la repressió franquista, i convertí la fidelitat a la llengua i al país en el fil conductor de tota la seva trajectòria intel·lectual.

Una infantesa entre la monarquia i la República

Josep Vallverdú i Aixalà va néixer al número 34 del carrer del Carme de Lleida. El seu pare, també anomenat Josep, era l’hereu rebel d’un propietari carlí, caçador i profundament lligat a la terra. A diferència del padrí, era republicà, esportista, militant d’Acció Catalana i vinculat a l’ambient polític i cívic de la Lleida de la Joventut Republicana. D’aquell doble llegat familiar, Vallverdú en va rebre dues influències que l’acompanyaren tota la vida: del pare, els valors cívics i el compromís amb el país; del padrí, l’amor per la terra, la pagesia i la natura. Aquest paisatge moral i físic reaparegué sovint en la seva obra.

Va néixer durant les darreres setmanes de la Restauració i passà els primers anys sota la dictadura de Primo de Rivera. Va arribar a tenir ús de raó amb la República, de la qual conservà un record viu, igual com dels presidents Francesc Macià i Lluís Companys.

L’esclat de la guerra i de la revolució va trasbalsar la família. El seu avi, propietari i antirepublicà, fou detingut, i aquells anys els Vallverdú visqueren entre Puiggròs i Sant Martí de Maldà. L’avi en va sortir benparat, però el pare hagué de tornar a començar a Barcelona, on acabà traslladant-se tota la família. Per a Vallverdú, Lleida es va convertir durant un temps en la ciutat llunyana, devastada per la guerra, però mai no deixà de ser el seu gran espai de referència sentimental, cultural i literària.

Una universitat sota el franquisme

A Barcelona, ja a setze anys, acabà els estudis i el 1941 ingressà a la universitat. Era una institució marcada per les depuracions, l’expulsió de professors i els rituals feixistes del primer franquisme. Malgrat aquell ambient, una part dels estudiants provinents del pòsit del catalanisme republicà es van reconèixer i van mantenir viva una certa continuïtat cultural.

En aquell entorn va coincidir amb noms com Miquel TarradellAntoni Badia i MargaritFrederic Roda, Pere de Palol i Josep Palau i Fabre. Pertanyien a una generació que hagué de formar-se culturalment sota la prohibició, la vigilància i la destrucció institucional del país.

Abans d’acabar la carrera, Vallverdú va sofrir una de les pèrdues més doloroses de la seva vida: la mort de la seva mare, Pilar Aixalà, a quaranta-dos anys. Per preservar-ne el record, va passar-se dues hores dibuixant-la de cos present al llit de mort. Es va llicenciar en filosofia i lletres el 1945, el mateix any que s’acabà la Segona Guerra Mundial. Durant els estudis havia conegut Isabel Arqué, futura pedagoga i membre d’una família vinculada a Alexandre Galí. Es van casar el 1952 i tingueren un fill, Eloi.

La relació entre pare i fill va marcar profundament la vida de Vallverdú. Durant anys, l’escriptor li va escriure puntualment un conte cada setmana, en una pràctica íntima que resumeix bona part de la seva concepció de la literatura: una forma de comunicació, d’acompanyament i de cura.

Rubió, Gaziel i els mestres d’una generació

La trajectòria professional de Vallverdú fou marcada per un cert nomadisme geogràfic i per una activitat incessant. Treballà com a mestre en diferents indrets i, alhora, començà a traduir de l’anglès i a obrir-se pas en el món literari.

En aquells anys entrà en contacte amb algunes de les grans figures de la cultura catalana del segle XX. Col·laborà amb Jordi Rubió, filòleg i ex-director de la Biblioteca de Catalunya represaliat pel franquisme, a qui ajudà en les seves recerques històriques a l’Arxiu de la Corona d’Aragó.

Durant una estada com a mestre a Sant Feliu de Guíxols també va conèixer Gaziel, l’antic director de La Vanguardia, amb qui establí una relació intel·lectual. Durant la seva vida freqüentà, així mateix, personalitats com Joan TriadúJaume Vicens i Vives i Manuel de Pedrolo.

Vallverdú havia assistit a les festes de l’Entronització de la Mare de Déu de Montserrat i va participar en algunes reunions dels primers nuclis de reorganització del catalanisme polític. Convidat per Josep Espar Ticó, va sovintejar les trobades del grup CC, encapçalat aleshores per Jordi Pujol. Malgrat tot, va defugir la implicació política directa. El seu camp d’acció fou sobretot cultural, lingüístic i pedagògic. Va exercir d’activista tenaç per la llengua, especialment després del trasllat a Balaguer i més tard a Lleida, on Isabel Arqué fundà l’escola Alba.

Lleida contra el “leridanismo”

Un dels episodis més significatius del compromís cívic de Vallverdú fou la publicació, el 1967, de Lleida, problema i realitat. El volum, escrit amb Francesc Porta, Simeó Miquel, Josep Lladonosa i Joan Gabernet, analitzava la realitat social, econòmica i cultural de les terres de Ponent a partir de perspectives diverses. El llibre va contribuir a desvetllar consciències en una ciutat dominada pel leridanismo oficial de les elits franquistes, un localisme espanyolista que pretenia presentar Lleida com una realitat separada, o fins i tot oposada, a la resta de Catalunya.

Vallverdú esdevingué, així, una de les veus centrals de la recuperació cultural de Ponent. La seva obra i la seva activitat pública van combatre la idea d’una Lleida perifèrica i desconnectada del país, i la van situar dins el mapa literari i intel·lectual català amb una veu pròpia.

L’escriptor tot-terreny

La vocació literària de Vallverdú s’havia manifestat de molt jove. A dotze anys ja va escriure un poema i l’any següent s’atreví amb uns Pastorets. Els primers tempteigs narratius els féu en castellà, però ben aviat optà pel català com a llengua literària i de compromís.

El 1960 publicà la seva primera novel·la en català, El venedor de peixos. Després van venir La caravana invisible i Trampa sota les aigües, que va obtenir el premi Joaquim Ruyra el 1963.

Cinc anys més tard rebé el premi Josep Maria Folch i Torres per Rovelló. El llibre, protagonitzat per un gos petit, viu i curiós, es convertí en la seva obra més coneguda i en un clàssic de la literatura infantil catalana. El personatge també fou adaptat a la televisió i entrà en l’imaginari de milers de famílies.

L’èxit de Rovelló va situar Vallverdú entre els quatre grans noms de l’editorial La Galera, juntament amb Sebastià Sorribas, Emili Teixidor i Joaquim Carbó. Aquells autors van ser decisius en la construcció d’una literatura infantil i juvenil moderna en català, capaç de crear lectors en un país que encara es ressentia de les conseqüències de la prohibició i la minorització lingüística.

La seva producció, però, fou molt més extensa. Va escriure novel·les, assaigs, poesia, articles, epistolaris i llibres de memòries. També va publicar, amb el fotògraf Ton Sirera, els volums de Catalunya visió, una obra singular que recorria el país amb una mirada alhora documental, literària i territorial.

Com a memorialista, va deixar títols com Vagó de terceraGarbinada i ponentDesmudat i a les golfes i Mosaic de tardor. En aquests llibres va reconstruir la pròpia vida i, alhora, bona part de la història cultural catalana del segle XX.

L’editor Isidor Cònsul el va definir com un “escriptor tot-terreny”. La fórmula sintetitzava una obra que desbordava els gèneres, les edats dels lectors i les fronteres entre literatura, pedagogia i testimoni.

La literatura com a escola de país

Mestre de professió, Vallverdú va entendre sempre la literatura com una eina de formació cívica i de transmissió cultural. La seva obra, rica en llengua i profundament arrelada al territori, fou durant dècades una porta d’entrada a la lectura en català per a milers de nens i joves.

No escrivia únicament per entretenir. En les seves novel·les hi havia una confiança profunda en la capacitat del lector jove per a comprendre el món, afrontar conflictes i formar-se un criteri propi. Aquesta vocació pedagògica, inseparable de la seva escriptura, el convertí en una figura estimada i respectada molt més enllà dels cercles estrictament literaris.

Va dedicar-se a l’ensenyament fins a la jubilació, el 1988. Molts dels seus alumnes el recordarien sempre com el professor Vallverdú, exigent, actiu i convençut que educar i escriure formaven part d’una mateixa responsabilitat.

Els grans reconeixements

Els reconeixements li arribaren de totes bandes. L’any 2000 va rebre el Premi d’Honor de les Lletres Catalanes, la distinció més important de la cultura catalana. La Generalitat li concedí la Medalla d’Or i la Universitat de Lleida el va investir doctor honoris causa i li atorgà també la Medalla d’Or.

Fou nomenat fill predilecte de Lleida i fill adoptiu de Sant Martí de Maldà, les Borges Blanques, l’Espluga de Francolí i Balaguer. Aquests reconeixements reflectien el vincle profund de l’escriptor amb les terres de Ponent i amb els diversos indrets on havia viscut i treballat.

Després de la mort d’Isabel Arqué, el 2012, es va casar amb Antonieta Vilajoliu. El festeig havia estat precedit per seixanta-dues cartes d’amor, una mostra més de la necessitat d’escriure que travessava tots els àmbits de la seva vida.

Un centenari en plena activitat

L’any 2023, quan va arribar als cent anys, el país li va dedicar l’Any Josep Vallverdú. A diferència de moltes commemoracions institucionals, que recorden figures ja desaparegudes, aquell homenatge es va fer amb el protagonista viu, lúcid i encara en plena activitat.

Durant aquells mesos inaugurà exposicions, participà en homenatges i taules rodones, presentà llibres i continuà escrivint. El centenari va servir per a reconèixer públicament una trajectòria excepcional, però ell no va abandonar mai la feina ni es va deixar distreure gaire pels fasts.

La seva obra continuava creixent amb nous llibres, poemes i articles. Per a Vallverdú, escriure no era tan sols una professió o una vocació: era una forma natural d’habitar el món.

Una baula entre dos segles

La mort de Josep Vallverdú deixa orfe un espai essencial de la literatura catalana contemporània. Se’n va un escriptor d’una fecunditat extraordinària, però també un testimoni privilegiat d’un segle convuls i un home que va dedicar la vida sencera a preservar, enriquir i transmetre la llengua catalana.

Amb ell desapareix una de les darreres grans baules vives entre la Catalunya republicana d’abans de la guerra, la resistència cultural sota el franquisme i la cultura catalana del present.

En resten els llibres, els personatges, els paisatges, les memòries i les paraules. I en resta, sobretot, aquella multitud de lectors que van aprendre a llegir en català seguint les passes inquietes d’un gos anomenat Rovelló. 

 

[Font: www.vilaweb.cat]

terça-feira, 21 de julho de 2026

Uma infância alemã

 Comentários sobre o filme dirigido por Fatih Akin, em cartaz nos cinemas 

Fotograma de "Uma infância alemã", filme dirigido por Fatih Akin

Escrito por JOÃO LANARI BO*

1.

Uma infância alemã: título singelo escolhido pelo distribuidor brasileiro, provavelmente temeroso de que a audiência não entenderia o original, “Amrum”. Alguém viu o filme e concluiu que era um retrato da infância na Alemanha. De fato, é – mas num contexto particular, geográfica e historicamente. Uma infância retratada em um momento vertiginoso, poucos dias antes e depois do suicídio de Hitler e fim da Segunda Guerra Mundial, antes e depois do apocalipse, pequenos momentos em que a pulsão de morte da humanidade veio à tona.

Como fazer um filme sobre essa vertigem, adotando o ponto de vista de um garoto de 12 anos, em uma ilhota no norte da Alemanha? O diretor, o turco-alemão Fatih Akin, ostenta uma trajetória exitosa de trabalhos contundentes, para usar um eufemismo, como Em pedaços, de 2017, e O bar Luva Dourada, de 2019. O mundo a partir do olhar de uma criança não dispõe, em princípio, das obsessões de violência gráfica que habitam o imaginário adulto.

Em princípio porque o sadismo implícito em produções voltadas para o público infantil pode ser algo bastante real, mas isso é assunto para psicanalistas. Em Uma infância alemã a linguagem convencional reproduz os parâmetros de um garoto amadurecendo em um ambiente atordoante, a poucos quilômetros de uma catástrofe tectônica, mas isolado em uma ilha chamada Amrum, e a salvo de perigos imediatos.

Baseada no livro de memórias do ator e diretor Hark Bohm, que nasceu em Hamburgo e cresceu em Amrum, a história gira em torno dos dilemas e soluções que surgem no cotidiano plenos de imprevistos de Nanning Bohm (Jasper Billerbeck). Sua mãe é francamente nazista, em casa um retrato de Hitler adorna a parede. Na estante, vários livros do avô tratam de biologia, uma área de estudos perigosamente política naqueles tempos de pretensa superioridade racial ariana.

A família, apesar de raízes na ilha, é um corpo indesejado em boa parte da comunidade local, não apenas pelo nazismo ostensivo, mas também pelo choque com a cultura frísia local. Embora a beira do abismo, a arrogância da mãe espraia-se na atmosfera e afeta as relações de Nanning.

2.

Os ancestrais dos frísios migraram da Escandinávia para a região costeira alemã por volta da Idade do Ferro, e foram descritos por historiadores romanos como guerreiros independentes que habitavam áreas pantanosas. Possuem sua própria língua, o frísio, considerada o idioma moderno mais próximo do inglês. No filme, para sobrecarregar a situação, a mãe dá à luz exatamente no dia em que é anunciada a morte do Führer – e entra em depressão, recusando-se a comer, exceto pão com manteiga e mel.

Para cumprir esse desejo, Nanning atravessa imensas áreas de maré baixa, caça coelhos com o amigo (frísio) Herman, recita o juramento da Juventude Nazista e assiste a uma foca ser baleada à queima-roupa para ajudar um pescador local.

Tudo isso, todas as reviravoltas, Uma infância alemã narra em tom de fábula, como são as narrativas construídas a partir de narradores- mirins. Um antecedente é o extraordinário Alemanha ano zero, que Roberto Rossellini realizou em 1948 – um narrador que perambula pelos destroços de Munique no imediato pós-guerra, lutando para salvar o pai enfermo. A historicidade do filme de Roberto Rossellini retorna, décadas depois, no filme de Fatih Akin.

Ambos têm uma qualidade histórica rara nesse mundo de narrativas codificadas do cinema que trata da Segunda Guerra: como internalizar um conflito dessa proporção no cotidiano de famílias que viveram sob o jugo de uma opressão ideológica colossal, que levou a um projeto radical de autodestruição?

Hitler não era unanimidade na Alemanha, mas, por várias razões, desde ações cruéis de repressão ao populismo descarado que exibia – que incluiu experimentos como os documentários de Leni Riefenstahl – manteve-se no poder e fez o que fez. O microcosmo em que vive Nanning é um dos espaços em que se davam esses pequenos embates, desta feita, com o pano de fundo de um país em frangalhos.

Uma infância alemã é o trabalho mais reservado, porém extremamente cinematográfico, de Fatih Akin. Stand by me (Conta comigo na tradução brasileira), que Rob Reiner dirigiu em 1986, é citado por ele como uma inspiração pessoal. Em ambos, sobreviver como criança em um ambiente hostil implica em altos riscos – e às crianças resta a capacidade de aliarem-se umas às outras para driblar os males do mundo.

Ao longo desses poucos dias, Nanning constrói seu guia moral de sobrevivência, entre os limites mais ou menos opacos impostos pelos adultos e a vastidão dos horizontes e marés da ilha de Amrum. Oscilando entre a inocência e o amor pela mãe, entre os vícios da época e as relações imediatas de afeto, sua luta, em última análise, é a preservação do instinto de generosidade.

Embora se trate de um filme assertivo em seu posicionamento, a direção é delicada, suave, assim como a montagem, seca e objetiva: não há manipulações de trilhas sonoras ou momentos artificialmente aflitivos – a narrativa é tão direta quanto possível.

Hark Bohm faleceu dois meses após da exibição do filme no Festival de Toronto. Filho de oficial nazista – seu pai ingressou na SS em 1933 e alcançou o posto de SS-Obersturmführer – foi ator e diretor de destaque, tendo atuado em várias produções de Rainer Werner Fassbinder.

Hark Bohm adoeceu quando escrevia o roteiro, e Fatih Akin colaborou na escrita. Logo ficou claro que Fatih Akin teria de dirigir o filme que seria do amigo e mentor. Não seria despropositado dizer que o último filme de Fatih Akin não é de fato um filme de Fatih Akin: seria um filme de Hark Bohm dirigido por Fatih Akin.

*João Lanari Bo é professor de cinema da Faculdade de Comunicação da Universidade de Brasília (UnB). Autor, entre outros livros, de Cinema para russos, cinema para soviéticos (Bazar do Tempo). [https://amzn.to/45rHa9F]

Referência


Uma infância alemã (Amrum)
Alemanha, 2025, 93 minutos
Direção: Fatih Akin
Roteiro: Hark Bohm e Fatih Akin
Elenco: Jasper Billerbeck, Laura Tonke, Lisa Hagmeister, Kian Köppke 

 

[Fonte: www.aterraeredonda.com.br]

terça-feira, 14 de julho de 2026

Mor l'escriptor barceloní Luis Goytisolo, autor d''Antagonía', a 91 anys

Va ser acadèmic de la RAE i va ser distingit per premis com el Nacional de Literatura o el de les Lletres Espanyoles  

Escrit per Berto Sagrera 

S'ha mort l'escriptor barceloní Luis Goytisolo, autor d'Antagonía, a 91 anys. Si bé la notícia l'ha donat a conèixer aquest dilluns vespre la Reial Acadèmia Espanyola (RAE) —de la qual n'era acadèmic des del 1995—, el traspàs va tenir lloc aquest diumenge, 12 de juliol, a la localitat de Vimbodí i Poblet (Conca de Barberà). Va ser distingit, entre altres, pel Premi Nacional de Literatura l'any 1992 i pel Premi Nacional de les Lletres Espanyoles el 2013. 

Nascut el 17 de març del 1935 a Barcelona, era germà del poeta José Agustín Goytisolo (traspassat el 1999) i del també escriptor Juan Goytisolo (traspassat el 2017). L'any 1958, acabat de llicenciar en Dret, va guanyar el Premi Biblioteca Breu amb la seva novel·la Las afueras, que va ser seguida de Las mismas palabras (1962). El 1973 va publicar Recuento, el primer llibre de la tetralogia Antagonia, dedicada a la seva esposa, María Antonia Gil Moreno de Mora. L'obra es va completar amb Los verdes de mayo hasta el mar (1976), que va guanyar el Premi Ciutat de Barcelona; La cólera de Aquiles (1979) i Teoría del Conocimiento (1981). Va continuar en els vuitanta amb altres novel·les com Estela de fuego que se aleja (1984), que va obtenir el Premi de la Crítica; i La paradoja del ave migratoria (1987), entre altres. 

Col·laborador de premsa i la RAE

Goytisolo va ser col·laborador habitual de premsa (El PaísABCDiario 16) i membre del jurat d'importants premis literaris, entre que en els noranta va rellevar el traspassat Carlos Barral en la direcció de la revista literària Letra Internacional. El 1992 va publicar la novel·la Estatua con palomas, guardonada amb el Premi Nacional de Literatura de Narrativa, i en la qual l'autor jugava amb el temps, la Roma de Trajà i l'Espanya actual. Va ser arran d'aquesta obra que va pensar en la creació de la Fundació Luis Goytisolo per a l'estudi de la narrativa hispànica contemporània, amb seu a El Puerto de Santa María (Cadis). Cada any, des del 2003, la fundació celebra un Simposi Internacional de Narrativa Hispànica Contemporània.

El 24 de març del 1994 va ser elegit acadèmic de la RAE per a la vacant del poeta Luis Rosales (butaca C), i hi va ingressar el 1995 amb un discurs titulat "L'impacte de la imatge a la narrativa espanyola contemporània", en defensa de l'autonomia del llenguatge davant de la influència de la imatge. Li va respondre, en nom de la corporació, Francisco Ayala. Va ser vocal de la junta de govern de l'acadèmia entre els anys 2000 i 2002, i censor entre el 2000 i el 2008.

Altres novel·les i premis

Altres obres destacades de Goytisolo van ser Ojos, círculos, búhos (1971), Devoraciones (1976), Fábulas (1981), Estatua con palomas (1992), Mzungo (1996), Placer licuante (1997), Escalera hacia el cielo (1999), Diario de 360 grados (2000), Liberación (2003), Oído atento a los pájaros (2006), El lago en las pupilas (2012), Coincidencias (2017) i Chispas (2019). Així mateix, va ser autor dels assajos Naturaleza de la novela (2013) i El sueño de San Luis (2015), del qual va donar el manuscrit a la Biblioteca Nacional d'Espanya. El 2016 va publicar El atasco y demás fábulas, una recopilació d'apunts, reflexions i aforismes escrits al llarg de quaranta anys. També va escriure i dirigir documentals televisius, com les sèries Índico i Mediterranio, emeses per Televisió Espanyola.

L'any 2014, el seu germà Juan Goytisolo li va treure el Premi Cervantes, el més important de la literatura espanyola, i va dir el següent: "El meu germà Juan se'l mereix, i, per qüestió d'edat, se l'havien de donar abans a ell. Va passar també amb el Nacional de les Lletres, que en Juan el va guanyar el 2008 i jo el 2013". El 2018 sí que va rebre el prestigiós Premi Carlos Fuentes a la Creació Literària en l'Idioma Espanyol, lliurat per l'aleshores de Mèxic, Enrique Peña Nieto. Pel que fa a la seva militància en el Partit Comunista d'Espanya (PCE), l'any 2014 va reconèixer en una entrevista que mai no va creure en el marxisme i que només es va fer militant comunista a finals dels anys 50 per "combatre el franquisme", motiu pel qual va ser empresonat durant quatre mesos a Carabanchel.

 

[Foto: ACN - font: www.elnacional.cat]