Mostrar mensagens com a etiqueta Wim Wenders. Mostrar todas as mensagens
Mostrar mensagens com a etiqueta Wim Wenders. Mostrar todas as mensagens

domingo, 6 de setembro de 2026

« Miroirs n°3 » de Christian Petzold : une barque sur l’océan

Film remarquable et passionnant pour qui aime saisir les moindres subtilités de la vie (ici du deuil à la reconstruction) à travers une mise en scène limpide appliquée à une construction scénaristique ambigüe, Miroirs n°3 est un pur délice. 

Écrit par Eric Debarnot

On avait un peu oublié ces derniers temps Christian Petzold, qui fit partie il y a presque vingt ans désormais d’un espoir de nouvelle vague du cinéma allemand… qui n’atteignit jamais le rivage, malheureusement. Et la succession des Wenders, Herzog et autres Fassbinder n’advint pas. Il reste néanmoins pas mal de beaux films, qui marquèrent leur temps, avec en particulier un Ciel rouge resté dans la mémoire des cinéphiles. C’est donc avec joie que nous accueillons les nouvelles de Petzold que nous donne son Miroirs n°3… car ces nouvelles sont très bonnes.

Il vaut mieux ne pas trop raconter le film, l’un de ses grands plaisirs étant la découverte, pas à pas, d’une histoire finalement complexe, et qui plus est ambigüe, faisant d’ailleurs mine d’adopter la forme du thriller – découverte d’un passé tragique, menace sourde pesant sur les protagonistes, opacité de leurs comportements et de leurs motivation – pour mieux l’abandonner en chemin (vous voilà quand même prévenus…). Mais si la destination n’est pas sans importance, puisqu’en quelques plans secs, Petzold conclut clairement son histoire sans qu’une parole n’ait besoin d’être prononcée, l’important est bien entendu ce chemin que l’on parcourt avec Laura (Paula Beer, habituée des films de Petzold, qui dégage un naturellement une sorte de mystère « fécond »), avec la douce Betty et avec ses deux « hommes ». Au milieu d’une campagne allemande ordinaire et baignée de silence, où les accidents peuvent survenir à tout moment, Christian Petzold construit un conte moderne, peut-être un conte moral du genre de ceux que Rohmer aurait pu filmer plus tardivement s’il avait vécu plus longtemps : un conte où les mots se sont fait rares, mais où le puzzle émotionnel est tout aussi délicat, tout aussi dramatique sous la surface du non-dit. Miroirs n°3 parle de la perte, du deuil, de la tentation de l’enfermement et du désespoir, puis de la renaissance des liens, mais également du sens de la vie, quel qu’il soit.

La mise en scène de Petzold est comme toujours sobre et extrêmement précise, l’image irradie une douce lumière sans jamais tendre à l’esthétisme, on profite (oui, on profite !) de l’absence de musique extradiégétique, et l’interprétation est délicate et contrôlée : loin de toute dramatisation de ce qui est une histoire finalement tragique, on est dans le royaume de la suggestion (… même si une touche de burlesque léger éclaire certains passages…). 

À l’image du titre du film, mystérieux pour qui ne connaît pas (c’est notre cas) Maurice Ravel. Car Miroirs n°3 est un ensemble de cinq pièces pour piano composées par Ravel, la troisième s’intitulant Une barque sur l’océan. Le titre de l’ensemble de l’œuvre faisant références à une phrase de Shakespeare qui écrit : « La vue ne se connaît pas elle-même avant d’avoir voyagé et rencontré un miroir où elle peut se reconnaître. » Ce qui est sans doute l’explication la plus claire que l’on puisse donner du sujet du film.


Miroirs n°3
Film allemand de Christian Petzold
Avec: Paula Beer, Barbara Auer, Matthias Brandt
Genre : drame
Durée : 1h26
Date de sortie en salles : 27 août 2025

 

[Images: Schramm Film - source : www.benzinemag.net]

segunda-feira, 22 de junho de 2026

In viaggio con Wim Wenders

Lunedì 22 giugno il regista tedesco a Milano per dare il via alla rassegna “Cinque capolavori da riscoprire”: Non bussare alla mia porta e le versioni restaurate di Alice nelle città, L’amico americano, Lisbon Story e The Million Dollar Hotel 
 
Lunedì 22 giugno Wim Wenders sarà a Milano per incontrare il pubblico in occasione della rassegna In viaggio con Wim Wenders – Cinque capolavori da riscoprire, in programma da quella stessa data nelle sale di tutta Italia. L’appuntamento è in Anteo Palazzo del Cinema alle ore 20.45, con un incontro moderato da Gianni Canova e trasmesso in diretta streaming in tutte le sale aderenti. A seguire, la proiezione della versione restaurata di Alice nelle città, titolo che compone la rassegna insieme a L’amico americano, Lisbon Story, The Million Dollar Hotel e Non bussare alla mia porta.

L’incontro sarà trasmesso in diretta streaming nelle sale aderenti all’iniziativa; l’elenco dei cinema sarà aggiornato qui https://streaming.cgtv.it/al-cinema

La rassegna In viaggio con Wim Wenders - Cinque capolavori da riscoprire, distribuita da CG Entertainment in collaborazione con Lumière & Co. e Cinemaundici, propone un vero e proprio itinerario attraverso trent’anni di carriera del regista, dagli anni Settanta ai primi Duemila, riportando sul grande schermo cinque film cult ancora oggi straordinariamente potenti e vitali. 

Il viaggio inizia con ALICE NELLE CITTÀ VERSIONE RESTAURATA (Alice in den Städten, 1974), il film che lo stesso Wenders ha spesso definito come il suo vero esordio artistico: un’opera seminale, primo capitolo della celebre Trilogia della strada, in cui il road movie diventa strumento di esplorazione esistenziale, geografica e sentimentale.  Attraverso l’incontro tra il giornalista Philip Winter e la piccola Alice, tra America ed Europa, Wenders definisce per la prima volta quel cinema del movimento, dello smarrimento e dell’osservazione poetica della realtà che diventerà il segno distintivo della sua opera.

Con L’AMICO AMERICANO VERSIONE RESTAURATA (Der amerikanische Freund, 1977), tratto da bestseller di Patricia Highsmith, Il gioco di Ripley, arriva invece la consacrazione internazionale: un noir sospeso tra Europa e America, tra classicismo hollywoodiano e inquietudine contemporanea, che trasforma il thriller in una riflessione sul doppio, sull’amicizia e sull’ambiguità morale. Grazie anche alla presenza magnetica di Dennis Hopper e Bruno Ganz, il film diventa immediatamente uno dei punti di riferimento del cinema degli anni Settanta.

Negli anni Novanta, LISBON STORY VERSIONE RESTAURATA (1994) segna una nuova fase del suo cinema: un omaggio alla città di Lisbona e insieme una riflessione poetica sulla natura stessa delle immagini e del cinema. Il film conserva oggi un’impressionante attualità, anche grazie alla sua idea di un’Europa senza confini, aperta e attraversabile.

Premiato con l’Orso d’Argento alla Berlinale, con THE MILLION DOLLAR HOTEL VERSIONE RESTAURATA (2000) Wenders attraversa l’America urbana, approdando a un’opera visionaria e notturna ambientata nel cuore marginale di Los Angeles; un racconto sospeso tra noir, favola urbana e storia d’amore, dove gli esclusi e i fragili diventano protagonisti di una struggente umanità. Il film rappresenta una delle esperienze più radicali e poetiche del Wenders americano.

Infine, NON BUSSARE ALLA MIA PORTA (Don’t come knocking, 2005) chiude idealmente questo percorso: il regista torna ai grandi spazi del West e ai temi della memoria, della fuga e della riconciliazione. Nato dalla rinnovata collaborazione con Sam Shepard dopo Paris, Texas, il film è una meditazione crepuscolare sul tempo, sulla paternità e sulla possibilità di ritrovare sé stessi attraverso il viaggio. 

 
 
[Fonte: www.cinematografo.it] 
 
 

sexta-feira, 15 de maio de 2026

Pawel Pawlikowski magnifica a figura de Thomas Mann na Alemaña en ruínas na formidable «Fatherland»

O iraniano Asghar Farhadi enrédase con Isabelle Huppert e Virginie Efira no voyerismo fatuo de «Historias paralelas»

O director Pawel Pawlikowski, xunto a Sandra Hüller e Hanns Zischler, protagonistas de «Fatherland»  

Escrito por JOSÉ LUIS LOSA    

Na primavera de 1949, o nobel Thomas Mann regresa a Alemaña tras 16 anos de exilio nos Estados Unidos, cuxa nacionalidade chegou a adquirir para subliñar o seu espanto ante a barbarie hitleriana. O escritor e premio Nobel ía cumprir 75 anos e a viaxe ao seu país natal, aínda visibles nel os entullos da demolición, ía converterse nunha xira sobre a cal os dous colosos da Guerra Fría, os aínda ocupantes norteamericanos e os soviéticos que tomaran o país ao este do río Elba, ían tratar de xogar un inesquivable pulso de propagandas. Sobre os días febrís desa viaxe focaliza o polaco Pawel Pawlikowski Fatherland, unha indagación dunha cirurxía histórica e política de arte maior. 

Son apenas oitenta minutos nos que cada plano é unha prodixiosa condensación de significados e de decantacións da alma dunha figura que representou como ninguén a dor íntima ante a deríva anticivilizatoria de Alemaña. Nun festival de cine onde case todas as aspirantes á Palma de Oro alónganse entre dúas e tres horas de metraxe, chegou Pawlikowski e mandou a parar. É inimaxinable contemplar unha obra de maior altura de estilo e de concreción, na cal cada instante contén unha idea do mundo ou, mellor dito, do sindiós ao cal os populismos totalitarios deixárono reducido ou masacrado tras a Segunda Guerra Mundial.

Fatherland iníciase coa chegada de Thomas Mann e a súa filla Erika: ela, tamén escritora e actriz conduce o Buick negro que vai internar ao autor dA montaña máxica noutra supurante proliferación de insanias. Fala do estado das cousas nas dúas partes nas que se dividiu a patria de Mann, a Heimat. 

Bo, en puridade, a película arrinca cun preámbulo: está protagonizado polo seu fillo Klaus, outro talento que tivo que fuxir do III Reich e escribiu Mephisto, unha das novelas que máis fixo por proclamar a deformidade espiritual do nazismo. Foi correspondente e activo antifascista na guerra civil española. Logo, desembarcou cos aliados en Italia. Coa caída do Reich regresou a Alemaña para descubrir que non era ben recibido. Nesa secuencia que prologa Fatherland vémolo no leito, compartido cun efebo e unha botella, nas pavías ou o refuxio final que achou precisamente en Cannes.    

Atopamos a Thomas e a Klara Mann —en dous actores maxestáticos: el, Hanns Zischler, un egrexio veteranísimo que protagonizou os inicios do Novo Cine Alemán, co bo Wenders de No curso do tempo; ela, Sandra Hüller, a intérprete europea do momento— chegar no Buick ao hotel Metropol de Frankfurt, onde os recibe o novo burgomaestre, un tipo rollizo que non foi precisamente un heroe da Resistencia. Nesa cidade reciben un baño de realidade.  

Nos cabarets hai shows apolíticos con maracas. Nun cóctel, Mann ten que escoitar como os netos de Wagner solicitan a súa axuda para relanzar o festival de Bayreuth. Mann respóndelles que si escribiría unha carta, pero a favor de que demolesen Bayreuth e de que a súa nai e eles mesmos rematasen cos seus ósos no cárcere. Mentres, Erika atópase co seu exmarido, o dramaturgo e actor Gustaf Grüngens, o favorito de Hitler e de Göring: segue no candelero. Ela lémbralle o seu reprobable rol de axitador contra o Mephisto do seu amigo íntimo e irmán de Klara. E despáchao cunha labazada.

Nunhas pinceladas, Pawel Pawlikowski púxonos no dantesco panorama despois da batalla: a desnazificación non existiu, cada un dos gerifaltes segue no seu cargo tras pasar, no peor dos casos, uns meses á sombra para disimular.  

Abatido pero exteriormente inconmovible, Thomas Mann recibe a noticia do suicidio do seu fillo Klaus en Cannes. Seguiu o camiño de Stefan Zweig e de tantos outros amigos. Logo pasa a fronteira e intérnase na Alemaña dos sóviets. Alí négase a aceptar un cargo pero é recibido con himnos marciais dos mozos komsomoles —«os seus futuros lectores», resáltalle un colega—. Vemos a Mann en Weimar, terra do seu idolatrado Goethe. E a proximidade perturbadora do lager nazi de Buchenwald. Pai e filla asisten a ese contraste da civilización máxima e o descenso ás sentinas da condición humana. Canto falou disto Jorge Semprún, por exemplo nA escritura ou a vida. Como gozaría Semprún esta peza mestra de Pawlikowski.  

Nunha secuencia terminante, un kamikaze é capaz de sortear todos os controis do novo Estado alemán do socialismo real e logra achegarse ao Nobel. Revélalle que en Buchenwald os soviéticos non pecharon o campo: agora habítano os inimigos da patria comunista. O tipo é reducido e conducido a unha sala de tortura en presenza de Mann. Cando o escritor se dirixe á multitude en Weimar, encérrase no seu discurso sobre Goethe e unha Alemaña promisoria. Fai caso omiso do sucedido.  

Erika acúsao de pasear polas nubes. De non sentir nin padecer. Xa de retorno a Cannes, para as exequias do fillo autoliquidado, detéñense nunha antiga e rural igrexa, con visibles pegadas das bombas. Entran e soa o Salmo 144 de Bach. Klaus Mann, o vástago que se acaba de quitar a vida, dixera que Bach «case conseguiu facerlle ter fe en Deus». E entón o vello escritor chora, de modo incontido, no templo. Cres saber cando unha película chegou para esclarecer o ruído e a barbarie. Cando eses espazos cunha profundidade de campo digna de Cidadán Kane ábrense camiño na alma do cine maiúsculo. Chámase Fatherland, de Pawlikowski. E pronto habitará as súas vidas. 

Asghar Farhadi e o encanto do «star-system» francés 

Hai ocasións nas que compartir a xornada de competición dun festival con algo sublime ponche as cousas feas. Azares destes relatos en dez días como dez mandamentos chamados Cannes, Venecia ou Berlín. Ao iraniano Asghar Farhadi tocoulle en sorte conformar o ticket do día onda Fatherland. Creo que coas súas Historias paralelas —a súa segunda entrega incondicional a Francia e á súa star-system de aldea gala despois dO pasado en 2013—, a Farhadi sairíalle o día mal aínda que a súa compañeira de calendario fose unha dA Mula Francis.

De partida, irrompe a súa película da peor dos xeitos. Nos créditos lemos que o guion é unha libre lectura do inmortal Decálogo do polaco Krystof Kiewslowski. Todos ao chan. Porque os primeiros sons que escoitamos son os da banda sonora imperecedoira do gran Zbigniew Preisner para esas películas de Kiewlowski. Pero isto non é un tributo ou unha chiscadela. Trátase dunha apropiación indebida. Así se abre un argumento no cal Isabelle Huppert é unha escritora voyeur. Como nA fiestra indiscreta, pon o catalejo nas fiestras dos seus veciños de en fronte. E sobre iso constrúe os seus fabulaciones. 

O referente estrito deste voyerismo é o de Non amarás, do Decálogo de Kiewslowski. Huppert espía con delectación a Virginie Efira. E no seu metaficción, ela mantén unha relación amorosa triangular con Vincent Cassel e Pierre Niney, que leva a un asasinato por cruel asfixia de quen conduce un automóbil. Isto está usurpado de Non matarás. Cústache dar crédito a esta idea tan indefendible de vendernos uns grandes éxitos do Decálogo do mestre do cine polaco. 

Quizais o propio Farhadi —lembremos que foi inicialmente condenado por plaxio a unha das súas alumnas pola súa película Un heroe, aínda que finalmente resultou absolto no 2024— decide tentarse a roupa. E entón esquece calquera referencia ao cine de Kieslowski. Pero a solución é case peor. O guion parece deterse ou autoflagelarse. Huppert desaparece de súpeto do foco e Farhadi apenas lembra case ao final que a ten en nómina. O suspense voyerista e meta, case ao Amargo nadal, devén vodevil incomprensible. Ves como eses deuses da grandeur interpretativa francesa son incapaces de disimular o extravío e os seus rostros e os seus xestos revelan desconcerto.  

Como Historias paralelas dura 140 minutos —ai, Fatherland— ata á pantalla cústalle manter o tipo. Farhadi e a súa película partían na campaña de axitación e propaganda previa ao festival como unha das favoritas. Penso na paciencia de Thomas Mann cando ten que escoitar sen inmutarse a un comisario político afirmar que Goethe líase cada vez máis como precedente de Marx e non de Hegel. Fronte a iso, que son dúas horas e vinte do iraniano Farhadi como golfo pérsico, con estritas minúsculas.  

«Viva», a presenza catalá na Semana da Crítica  

O despregamento poderosísimo do cine español neste Cannes cada vez máis entregado ao noso comezou a producirse nesta terceira xornada do festival. A actriz e agora directora catalá Aina Clotet presentaba na Semana da Crítica Viva, protagonizada pola propia Clotet, Naby Dakhli, Marc Soler e ese veterano que pon tan nerviosos aos troles das redes chamado Willy Toledo. 

Non podo conseguir que me interese este drama de intensidades cambiantes da Clotet bifronte diante e tras a cámara. Cárgame o xeito en que explica as relacións sentimentais da protagonista. Non me parece que todas as interpretacións móvanse nun mesmo nivel. Hai diálogos indixeribles. Oxalá o xurado da Semana xulgue Viva doutro modo. De verdade que o desexo. 

Hai tamén participación española na produción da película chilena O desxeo, de Manuela Martelli. Gustárame xa o xeito en que Martelli —que é, ademais, unha moi brillante actriz— achegábase á ferida aberta de Chile co seu pasado de ditadura na súa película anterior, titulada 1976. NO desxeo, que compite na sección Un Certain Regard, a mirada política é máis oblicua e sutil. Retrata como case nun fóra de campo ese extracto da sociedade chilena que viviu ben con Pinochet, non deixou de facelo cos gobernos da chamada concertación de socialistas e democristiáns. E agora baila a yenka con Kast, o presidente retros. A alegoría da indiferenza ante os desaparecidos está servida de modo moi inquietante na tranquilidade da clase podente dunha estación de esquí. E me fulmina a perda abrupta da inocencia da súa novísima actriz Maya Ou`Rourke. 

Pasan outras cousas máis divertidas neste Cannes inabarcable. Espertou expectación e fangoria o novo filme da directora transxénero Jane Schoenbrun, de título Adolescencia, sexo e morte en Campamento Miasma. Merece esa euforia todo o granguiñol que Schoenbrun orquestra como unha metalectura queer de franquías do slasher politicamente incorrecto e cinematograficamente divertidísimo como Venres 13 ou Campamento sanguento. E a resurrección de Gillian Anderson como unha Norma Desmond do cine gore merece unha caseta-up ovation.  

E hai que mencionar The Match, documental creativo onde a man de Dios de Maradona fronte a Inglaterra véndese como un desquite da derrota das Malvinas con algúns populismos patrioteros innecesarios, para que ocultalo.

 

[Foto: Marko Djurica | REUTERS - fonte: www.lavozdegalicia.es]

segunda-feira, 23 de fevereiro de 2026

Berlinale 2026, la regista di «La voce di Hind Rajab» non ritira il premio per protesta

 

Kaouther Ben Hania al 53° International Film Festival Rotterdam 

La regista tunisina Kaouther Ben Hania non ha accettato il premio “Most Valuable Film” assegnato al film da lei diretto, "La voce di Hind Rajab", come gesto di protesta e di denuncia per la presenza di Noam Tibon, maggiore generale israeliano in pensione e protagonista del documentario canadese sul 7 ottobre The Road Between Us, premiato al Toronto Film Festival.

“Quello che è successo a Hind non è un’eccezione. È parte di un genocidio”,  ha dichiarato la regista. “Stasera a Berlino ci sono persone che hanno dato copertura politica a quel genocidio riformulando l’uccisione di massa di civili come autodifesa, come circostanze complesse. Denigrando chi protesta. Stasera non porterò questo premio a casa. Lo lascio qui come promemoria. E quando la pace sarà perseguita come un obbligo legale e morale, radicato nella responsabilità per genocidio, allora tornerò e lo accetterò con gioia”, ha concluso.

Il gesto clamoroso di Kaouther Ben Hania è arrivato dopo altri due episodi di contestazione: la scrittrice indiana Arundhati Roy ha dichiarato che “l’arte non può tacere su un genocidio” e annunciato che non avrebbe partecipato al festival del cinema di Berlino dopo che il presidente della giuria Wim Wenders aveva sostenuto la necessità per il cinema di “restare fuori dalla politica.”

Alla sua dura presa di posizione è poi seguita la lettera aperta firmata da più di 80 registi e attori, tra cui Javier Bardem e Tilda Swinton, che condannava il Festival Internazionale del Cinema di Berlino per il suo “silenzio istituzionale” sul genocidio nella Striscia di Gaza e per la complicità con Israele.

[Foto: Vera de Kok, Wikimedia Common - fonte: www.pressenza.com]

quarta-feira, 18 de fevereiro de 2026

81 artisti chiedono al Festival di Berlino di prendere posizione su Gaza

Tilda Swinton, Javier Bardem, Adam McKay e Mike Leigh tra i firmatari di una lettera che chiede la condanna dei crimini di guerra contro i palestinesi e il boicottaggio culturale di Israele. E intanto Ethan Hawke...

Berlinale Palast - Erik Weiss / Berlinale 2022

domingo, 22 de novembro de 2015

Lisbona: prendre oratge

Gabriel de la S. T. Sampol ha publicat Lisbona (Lleonard Muntaner Editor). El poeta i crític Sebastià Perelló n’ha fet aquesta presentació a la llibreria Embat de Palma, que podeu llegir avui a Núvol.

Gabriel de la S.T. Sampol, premi Vidal Alcover de Traducció | Foto de Rosa Planas

Per Sebastià Perelló
I am a walk.
Hobbes

Llegir Lisbona de Gabriel de la ST Sampol és més que mai llegir la trunyella que fan els llocs i la literatura. Per això convé fer-ho des d’una poètica que s’acosta a l’estratigrafia, en la successió de les vetes, de les capes que han conformat aquest espai del desassossec, en què s’ha convertit la ciutat del Tejo, sobretot a partir de Bernardo Soares. I afegir-se a les mirades que l’han perfilada, com en un procés de sedimentació, quan els versos d’aquest llibre es depositen al fons de l’ànima d’aquesta ciutat tan literària, la de Pessoa, la de Saramago i la de tants d’altres. Però també centrifugar-se en aquesta metròpolis vertiginosa per tal de sentir-se, tal com reclamava el poeta, estranger com a qualsevol banda. Som a la capital de l’Extrem-Occident, en la ciutat líquida de què parlava Philippe Saupault, que és el millor lloc on ofegar les desil·lusions, on fer callar les sirenes del passat. I per això mateix, el passatge cap als inicis, i és en aquest sentit que Lisbona és un llibre auroral. Un llibre de començaments. Perquè el poeta ve d’un lloc que no fa pensar en res, i des d’aquesta dissolució prova de desfer-se en l’estrangeria que nia en tots nosaltres, en l’estranyesa que covam, en la identitat més emboirada, per tal d’esclarissar-se i exposar-se al vaivé de la vacil·lació i de la perplexitat. Desfigurar-se en el balandreig d’una figura que camina en una ciutat de derives, i de les passes fetes, treure’n aquella mestria que ha de fer possible el retrobament.
Arribes a la ciutat, i allà cerques el desconegut que Lisboa sap treure de les teves entranyes, és la ciutat que llegeix en tu allò que en tu hi ha d’indicible. I en el perfil d’ones i crestes d’aigua que li retallen la silueta, t’hi perds. És la ciutat que sap dibuixar-te en la pell allò que has perdut, que sap tatuar-te el contorn de l’irreparable. Tu vas a Lisboa, però és Lisboa que et passa a través, penetra fins a l’altra banda dels teus dies i t’adones que ets tu que t’has convertit en passera. Només trànsit a la riba d’un riu que comença a morir, on veus passar les bagatel·les de la vida.
I aquesta ciutat dibuixada al traç del versos de Gabriel de la ST Sampol no és la vuitena meravella del món de Tirso de Molina, ni la Lisboa de Tabucchi, ni el lloc on va trobar la mort Fielding. Tampoc no és la nostàlgia blanca de Mary MacCarthy, ni la ciutat-nau de Cardoso Pires, ni la travessia de Jacques Réda. Som lluny de la ciutat ombra de Wenders, o de la que veia passar els exiliats en trànsit cap a Amèrica que descriu Remarque en la seva nit a Lisboa. Aquí no us oferiran aquella ciutat facsímil de Gómez de la Serna, no hi veureu el Felix Krull de Mann, ni sentireu la veu tangencial de Rogelio Buendia. No anireu rere les passes de William Beckford, tampoc no passejareu pel laberint literari d’Ángel Crespo, ni per la ciutat blanca de Tanner. Però Lisbona formarà part d’aquest solatge, d’aquesta ciutat que és un mirador i un dèdal de solitaris, i s’ha de llegir en aquest entrecreuament de veus que són el trompe-l’oeil on s’han de transfigurar els seus versos. Però des del primer poema cerca desfer-se la veu i per això es calca en la del mestre que li farà de guia: Fernando Pessoa, que diu els mots del poema Pelo Tejo Vai-se para o Mundo d’Alberto Caeiro. Perquè respirar per boca d’altri aquí no és citar servilment, és la seva manera de desposseir-se en l’embolic intertextual on cerca perdre’s i usurpar-se. Lisboa és un lloc on sempre torna. El lloc on s’han de fer les preguntes impossibles. Perquè Lisbona també és el llibre del nostos impossible, els versos d’un retornado. El retorn crea un espai proscrit perquè cristal·litza en la fractura i la transició. Retrobar-se implica perdre’s de vista i és en aquesta discordança que s’escriu el poema. El retorn crea un espai altre on esbarriar-se, on tot queda capgirat. Però empescar-se la idea d’un retorn és la manera de fer possible l’inici, l’encetada. Per això cal venir  a aquesta ciutat. Lisbonne, c’est l’aurore. Un lloc on reemplaçar-se, on envestir allò que ve després, on deixar-se emportar per la impulsió cap a l’inconegut. Un lloc entre dues trames on serà capaç de dir no el mateix, sinó l’alteritat d’allò mateix. El llibre és aquest desbordament.
Però no ens alliberarem de la misèria com en l’elevació baudelairiana, aquí pujam a l’Elevador da Glória, cap al mirador, davant el panorama vast de la ciutat. Enturonats, sempre des de l’altura. Ara som en un espai de meditació que ens convida al descentrament i a la discontinuïtat de la transfiguració que es produeix en el poema, perquè s’hi fa possible la simultaneïtat entre la fulguració i la permanència, aquest instant etern on és possible aïllar-se de la fluïdesa del temps que passa. Sortir del món. Perquè aquella sola cosa que persisteix, l’èxtasi que permet retrobar al subjecte la seva identitat altra va lligada a l’escriptura i la seva tasca en l’efervescència efímera que vol fixar el vers. No debades el poema és alhora lloc i passatge de la vulnerabilitat i de l’epifania. I és justament en aquest punt d’alteració, de metamorfosi, que la veu del poema troba l’assossec. Per això citarà els mots que diu Sant Pere a Jesucrit en el moment precís del misteri de la transfiguració. I és des d’aquest segon poema que entenem el text i la seva lectura com un recorregut i una guia per als perduts. Perquè el poema és Lisboa, i és el lloc on posar en clar, l’espai de l’elucidació. De fet, Lisbona també és un fado, i ja sabem amb Amália Rodrigues que en aquest sentit serà capaç de ser allò que diu i tot allò que no sabrà dir. Perquè ja ho diu aquell: la vida flueix feta dels fingiments i dels enganys que són la vida. Ara haurem d’escodrinyar la lletra i en les engrunes perdudes de la veu del poema hem de provar de resseguir les pistes d’allò que ens fuig. Perquè Lisbona és, en aquest sentit, el poema d’una espoliació.
Dels seus furors d’oblit, la veu n’ha deixat traça, no proves, que és el que han de fer els poetes. Aquí, en aquest itinerari. Un viatge. Un llibre dels fets: tornar paraula de l’enderroc. Voltaire, en el poema sobre el desastre de Lisbona, diu: Nul ne voudrait mourir, nul ne voudrait renaître. I la seva manera de no tornar, i de no quedar i ser aquí, i tornar-hi sempre, i així viure en aquesta intempèrie de no tornar, quan vol dir no recobrar l’alè i no refer-se, però sí, m’hi ha fet pensar. Ara bé, aquí, el desastre no és la terra que tremola, és un sacsejament que disloca més enllà i tot de la crosta, i diu una commoció, sastre del desastre, que alhora vol posar en oblit. Però la diu de cor i perdre la memòria és aquest tenir cames de qui, passeur, flaneur, promeneur, camina Lisbona. Un viàtic i una mania ambulatòria d’un inquiet que creu trescar, paradoxalment, en la memòria dels llocs a la recerca del descuit que li permeti girar full. Un àlbum on troben el cau les seves maneres de mostrar Lisbona, en aquests poemes que semblen tenir la consistència de les espores. Vianant que mira aquí i allà. I tanmateix no es dissol, perquè l’esperona la biblioteca, que el persegueix en les seves meditacions, i perquè sap esser allò que perd en la dispersió. A peu, en una veritable poètica de la deriva. Només fer passes: aquesta curiositat humana. On hem de pagar el mossatge de la fam, de totes les fams.
Una ciutat que navega. I sura. On l’absència pren cos, deia Lourenço. La ciutat de l’heroi que torna: Ulisses. I aquell que torna no queda mai, ja ho sabem. És de qui, si torna, no podem estar al corrent de com ha revengut, amb els ulls de ser en una altra banda, sempre, amb un tel d’exili que li emboira la mirada. I si el mires, aprens allò que és mal de veure: sembla que sempre la casa de l’ànima és lluny. Ja ho diu aquell mestre dels mots del desfici: O meu desejo é fugir. Fugir ao que conheço, fugir ao que é meu, fugir ao que amo. Quan sabem que és un lloc on no podem romandre, ni tocar mare. Només passar. Al llibre de Gabriel  de la ST Sampol, que és un itinerari i un trajecte d’oblit, hi ha la claror aspra de l’elegia que deixen les coses quan queden enrere, just en el moment, però, en què encara no han agafat el regust dolç i esbravat de la malenconia, de la fruita que passa. La llum desfeta de la seva Lisbon Story. De cara a l’oceà, en aquest Occident extrem on la llunyania és estar dins la pell d’algú que ets tu i alhora és un estrany. Paul Valéry demanava: Comment peut-on être si loin de ce que l’on a de plus près? La resposta és a Lisbona.
Lisboa és el lloc on sents allò de què parlava Benjamin, aquell enyor que fan les ciutats on has crescut, on has estat infant, però sense tot això, precisament, quan no t’hi han surat, tot i que ho sembla. Perquè hi has arribat després, no hi has estat al·lot, no fa olor d’infantesa, Lisboa és la ciutat on sents la mancança de les coses que has viscut a una altra banda que s’ensorra i es perd la memòria, la teva i la meva, i ja és qualsevol lloc, mentre nedam en aquesta despossessió, en aquesta llacuna que deixa a la vista les coses com són. Una ciutat per on només arribarem a passar, un lloc de passatge. I ja ho deia el mestre: som ocells de passa. On els records són il·lusions o aquell son sense somnis que volen els distrets.
Le moment où je parle est dejà loin de moi, deia Boileau. Lisbona, el text i la ciutat, és aquest moment de mirar lluny i saber que l’horitzó és un miratge persistent enmig del blau ala de corb. I que sempre caminam sobre aquesta corda estirada de la precarietat, caic no caic, funàmbuls de no saber si això que ens passa és realment l’agitació que Txèkhov anomenava la vida veritable. I ben aviat, quan ja és tard, en aquesta ciutat laberint un gosa creure que la corda on ha de fer equilibris no és res més que una espiral. Espires de temps i una corda fluixa que pren. A Lisbona, s’hi va per tal de veure el que només havíem sentit: allò que no s’ha fixat no és res, i allò que és fix és mort. I no en sabem treure aguller. Però no és ben bé així. Una agulla i un fil: el poema. I poden sargir-nos als dies que passen, quatre puntades que ens hi cusen. El poema: una punta d’agulla, cosa mínima, que has de trobar als pallers, i que embasta, repunta, però també pica, agulló que fereix i es clava: un foradet a la pell. Un poema: una nafra que batega. Rajar. Com el Tejo, cap a la mar gran. Lisbona: una ciutat que raja. La bona poesia sempre, sempre és lacerant i alhora balsàmica. Lisbona és capaç de fer evident la busca dins un ull que aquí no volem veure: les nostres arrels enlaire, el fibló que ens desarrela i ens aboca a la desmemòria. I vas allà per no veure-ho i no veus altra cosa. Lloc de la disfòria, ciutat intermitent, díscola, sempre en suspensió, un interval, discontínua, espai espargit que sap esser a trossos, desmuntable. Difusa, ara sonet clàssic, ara vers a lloure que fa pinya, que neda en aquest desmembrament. I allò que allà és arrel fonda, aquí és disfressa i fingiment, però també és el que ens exercita en la desaparició. On aprenem a viure al bell mig de percaceries, fragments, estones i poca cosa més. Entre l’oratge i l’ancoratge. I la vida flueix, a pesar de la vida. Perdre el vol, prendre’l.

Gabriel de la S.T. Sampol. Foto d'Helena Alvarado


El llibre és amarg, sí. Allò que s’ha de beure gota o gota. Rimbaud: Plus fortes que l’alcool, plus vastes que nos lyres, / Fermentent les rousseurs amères de l’amour. Aquella bellesa que asseus sobre els teus genolls i trobes amarga. Deia aquell que el prodigi i el monstre, el mostrengo, el seu Adamastor, tenen les mateixes arrels, no cal oblidar-ho. Un llibre que fa preguntes: Quem es tu? Lisbona: perdições de toda sorte. I per això no ha de ser d’altra manera: ni bresca, ni canyamel: fel. Llibre de l’aflicció, d’aquesta prosòdia d’anar i venir, llibre de trajectes, de deambulacions, que en aquesta ciutat sempre són clandestines, entre l’al·lucinació i la batzegada. I d’allò que es mou, la veu del poema, en sap fer la pirueta que reclamava Baudelaire: tirer l’éternel du transitoire. De vegades, cal aquesta «prosa retallada» que diu i que és el que no sé veure com a «prosaic» en aquest reliquiari. Ritme, prosòdia radical, d’aquest llibre que fa anar a la una allò que és persistent i sostingut amb el que fuig, trencat i discontinu. Un llibre i una ciutat que fiten l’ull del cap de fibló de la seva pròpia absència. Per tal de dir aquell mal que és gaudi, aquell goig que és aflicció.
Lisbona és un trajecte d’oblit que no gosa dir el seu nom, perquè en el seu desfici, en la inquietud de voler anar-se’n de la memòria troba el seu temps perdut. Si es presenta com un itinerari cap al desballestament, si conta la història d’una fuita que vol deixar enrere la devastació i fins i tot creu que ha arribat l’hora crepuscular de la renúncia i s’encara amb les seves relíquies, si en aquest camí, fins i tot, prova de calcar-se en la veu d’altri, i ara és l’elegia de Riba, després és l’esparver de Ferrater i més enllà juga amb les ventrilòquies pessoanes, troba el seu veritable refugi en els mots, en la flama dolça dels mots del poema. Perquè és entre el neguit i la paraula que descobreix el seu lloc de retraïment. I és en aquesta ciutat refugi de la inconstància, en aquesta ciutat recés on és capaç, ulls clucs, de refer-se. Quan el poema és una casa abandonada on pots respirar l’irrespirable. Perquè, tal com diu Meschonnic, ja no parla els seus mots, ja els camina, els camina en el silenci de Lisbona.
I és precisament el passeig allò que engendra un espai paradoxal on fan trunyella la memòria personal i la història col·lectiva. Perquè el llibre és una flânerie solitaire, que vull llegir també com una experiència emocional, sensible i alhora estètica. Vull llegir-lo quan tenc present altres opcions que converteixen el fet de caminar i de passejar en propostes estètiques i polítiques. Faig referència a l’errància surrealista, o a la deriva situacionista, a la caminada oulipiana. Però també a la promenade sthendaliana, a la mania de fer passes i caminar de Walser, de Sebald, i a les maneres de rondar la ciutat de Will Self o d’Iain Sinclair. Perquè totes aquestes propostes sense connexions aparents, enllacen en un punt que té com a forat negre la desorientació, la pèrdua de referències, la rêverie, amb l’afany de reencantar el món i la bolla. I per això mateix s’institueixen com a pràctica política de la dissidència. Lisbona, en la seva manera de defugir l’illa, en la seva forma deambulatòria de construir una mirada sobre la ciutat i delimitar una pàtria literària, en la seva convicció irritada i desenganyada de posar en solfa el món insular que s’esvaeix, en el fet d’alçar un mapa on es conjuga passeig i reminiscència, escriptura i caminada, és una proposta geopoètica, fa circular una imaginació psicogeogràfica de la ciutat. Un text, en definitiva, que és una topografia. Lisbona és una experiència i una purga que pren forma davant una illa desertada, no és un lloc on puguis posar els peus, és la Lisboa escrita de Gabriel de la ST Sampol. I és aquesta ciutat fingida que fa possible l’alteritat improbable que cerca el poema. I el seu vertigen.
[Font: www.nuvol.com]