Herederos judíos demandan al Met de NY por venta de un Van Gogh saqueado por nazis

'La recoleccion de olivos' (1889), de Van Gogh. Imagen https://goulandris.gr/en/artwork/vincent-van-gogh-olive-picking

Los herederos de una familia judía están demandando al Museo Metropolitano de Arte, alegando que un óleo de Vincent van Gogh que vendió fue saqueado a sus familiares por los nazis. 

La demanda alega que Hedwig y Frederick Stern compraron el cuadro, titulado Recolección de aceitunas, en 1935. Ese mismo año, la pareja se vio obligada a huir de su casa en Múnich y nunca volvieron a ver el cuadro.

El Met compró la obra en 1956 por 125 mil dólares y posteriormente la vendió a un magnate naviero griego en 1972. La demanda argumenta que el Met "sabía, o debería haber sabido" que la pintura probablemente fue saqueada por los nazis. 

Los herederos de Stern reclaman la devolución del cuadro, así como una indemnización por daños y perjuicios al Met. 

“En las décadas transcurridas desde el final de la Segunda Guerra Mundial, este cuadro saqueado por los nazis ha sido repetidamente y en secreto traficado, comprado y vendido en y a través de Nueva York”, afirma la demanda, según el New York Times. 

Los Stern huyeron de Múnich a California con sus seis hijos, pero el régimen nazi les prohibió llevarse las obras de arte, según alega la demanda.

“Antes de la emigración de la familia, el gobierno nazi declaró el cuadro como 'propiedad cultural alemana'; y prohibió a los Stern llevarse el cuadro (y otros de su colección) al extranjero”, dijo el abogado de los herederos. 

“Tras obtener el permiso de un funcionario nazi, un "fideicomisario" designado por los nazis vendió el cuadro en Alemania en nombre de los Stern, pero el producto de la venta se depositó en una "cuenta bloqueada" que los nazis confiscaron posteriormente”, añadieron. 

El cuadro se exhibe actualmente en un museo de Atenas gestionado por la Fundación Basil y Elise Goulandris. El matrimonio Goulandris lo adquirió del Met en 1972. La fundación y un sobrino superviviente de Goulandris figuran como demandados en la demanda. 

La demanda alega que la familia Goulandris "y sus entidades relacionadas han ocultado y encubierto al demandante la propiedad y la ubicación del cuadro". 

“Hasta el día de hoy, los acusados ​​Goulandris continúan ocultando cómo y cuándo la BEG entró en posesión del cuadro; la propiedad del cuadro por parte de la familia Stern desde 1935 hasta 1938; y los hechos de que los nazis saquearon el cuadro de la familia Stern, los obligaron a venderlo a través de un agente designado por los nazis y confiscaron las ganancias de la venta”, dice la demanda. 

Los herederos de Stern afirman que, dado que el Met había contratado a Theodore Rosseau Jr., "uno de los mayores expertos mundiales en el saqueo de arte nazi" como conservador de pintura europea, debería haber sospechado que el cuadro era un robo.

El Met ha respondido a la demanda, afirmando que "se toma muy en serio su compromiso de larga data de abordar las reivindicaciones de la era nazi". 

“En ningún momento durante el tiempo que el Met tuvo la pintura en su poder hubo constancia de que hubiera pertenecido a la familia Stern; de hecho, esa información no estuvo disponible hasta varias décadas después de que la pintura abandonara la colección del museo”, añadió un portavoz del museo. 

En 2000, el Met inició el Proyecto de Investigación de Procedencia , cuyo propósito era evaluar la colección del museo para determinar si alguna pieza obtenida durante la época nazi había sido saqueada y devolver dichas piezas a sus legítimos propietarios o herederos. 

Al menos un cuadro de otro artista legendario —El jardín de la casa de Monet en Argenteuil, de Claude Monet— fue devuelto como resultado del proyecto de investigación. 

En su comunicado, el Met afirmó que vendió el cuadro porque lo consideraba "de menor calidad" que algunas de las otras obras que tenía en ese momento. 

"La venta de La recolección de aceitunas por parte del Met cumplió con los estrictos criterios de desincorporación del museo; específicamente, se registró que la obra se consideró de menor calidad que otras obras del mismo tipo en la colección", continuaba el comunicado. "Si bien el Met mantiene respetuosamente su postura de que esta obra ingresó a la colección y fue desincorporada legalmente y de acuerdo con todas las directrices y políticas, el museo agradece y considerará cualquier información nueva que surja". 

Los herederos de Stern presentaron una demanda similar en 2022, pero un tribunal de California la desestimó en 2024. Los abogados apelaron el fallo, pero el caso fue desestimado nuevamente en mayo. 

Un abogado que representa a la Fundación Goulandris dijo que la demanda era una "calumnia" sin fundamento y que probablemente sería desestimada nuevamente. 

"La Fundación Goulandris es una organización de gran prestigio en Atenas. El intento de demandar y difamar a la fundación y a la familia Goulandris en Estados Unidos, basándose en alegaciones engañosas e incompletas, ya fue desestimado en dos ocasiones", declaró el abogado. "Confiamos en que volverá a serlo".

El diario The Independent ha solicitado comentarios al Met y a la Fundación Goulandris.

[Fuente: The Independent - reproducido en www.jornada.com.mx]

El millor despertador és un plat de sopa

                                    L'obra Els Gira-sols, de Van Gogh, a la National Gallery de Londres va ser blanc d'una protesta contra el canvi climàtic.

Escrit per Andreu Escrivà i Garcia

Fa uns pocs dies em trobava a un institut de l’àrea metropolitana de Barcelona, on em vaig atansar per tal de fer una xerrada sobre canvi climàtic. El tema (una mica àrid, fins i tot el 2024) i l’hora (tot just abans de dinar) m’ho posaven difícil, certament. Tanmateix, només calgué un pot de sopa per a encendre l’espurna del debat i despertar la classe de la seua letargia. M’explique.

Quan estic davant d’un grup d’alumnes, tracte que no assistisquen a una rígida conferència acadèmica, farcida de dades incomprensibles i multitud d’elements estranys. Per contra, tracte d’establir una conversa bidireccional amb algú que els conta com n’és, de gros, l’embolic aquest de l’escalfament global. De vegades ho aconseguisc, de vegades no, però sempre aprenc alguna cosa pel camí. I un d’aquests aprenentatges és que n’hi ha prou amb posar una imatge d’una acció de protesta climàtica a un museu, com la d’Els gira-sols de Van Gogh a Londres o La Gioconda a París, per tal que la classe sencera vulga dir la seua i s’espolse el sopor d’estar aguantant un pesat climàtic. Tots parlen alhora, es contesten entre ells, em miren inquisidorament per saber la meua postura. Això m’ha passat no una, sinó moltes vegades; gairebé a totes les xerrades des d’octubre de 2022, quan es va produir la primera d’aquestes accions a la National Gallery. I és llavors quan els dic dues coses a l’alumnat.

La primera, els recorde que no han dit ni pruna quan els he ensenyat les gràfiques que mostren com pot ser el que queda del segle XXI. Els he parlat de com serà de difícil la seua vida si no frenem amb rapidesa les emissions de gasos amb efecte d’hivernacle, perquè són persones que arribaran sense gaire esforç a viure un 2100 que a molts encara ens sembla la línia temporal d’una pel·lícula de ciència-ficció. El que per a mi és un número de l’eix horitzontal de les gràfiques de l’IPCC, per a les i els alumnes forma part del seu futur, del seu recorregut vital. Els mostre simulacions de la pujada del nivell del mar, els parle de cultius i ecosistemes, de ciutats asfixiants i d’un món que, a la força, ja no serà fòssil i haurà de viure amb menys energia. Res d’això sembla immutar-los, més enllà d’alguna ganyota. I, en canvi, s’indignen –de vegades fins i tot s’exalten– amb una mica de sopa tacant un vidre.

Critiquen amb duresa les activistes, proclamen que aquestes accions no serveixen per a res, que elles i ells no ho farien mai de la vida. Que per què atacar l’art, que no fa falta, que hi ha millors formes de protestar. És en aquell moment quan els pregunte si s’han adonat que els he dibuixat un panorama extraordinàriament complicat per al que els queda de vida, davant el qual han romàs en silenci, però s’han barallat per participar en el debat sobre les accions als museus. Es queden callats, miren endins. Els dic: «Veieu com sí que funciona? No heu reaccionat ni amb gràfiques, ni amb imatges, ni amb estudis científics, ni amb les bromes sobre el canvi climàtic i la cervesa. Amb la sopa de tomata, sí». I és per això per què és útil: perquè permet portar la conversa climàtica allà on habiten les emocions. Perquè provoca el tipus de resposta visceral que ens cal en aquest moment, i que no estem sabent generar per altres mitjans.

També els dic una altra cosa. «Sabeu què és aquesta foto?». Neguen amb el cap. A la imatge, s’hi veu la demolició d’una església. Els explique que l’enderrocament el fa l’empresa alemanya RWE, per tal d’extreure el lignit que hi ha davall del temple. Del poble, en realitat: RWE comprà tot el poble la dècada passada. Avui Immerath és només un contorn a Google Maps, perquè les cases ja no hi són, i el mateix ha ocorregut amb altres poblets de la zona. Aquella església del segle XIX no era cap obra mestra, per bé que fou el centre espiritual d’aquella comunitat durant cent vint-i-dos anys. Per què no en sabíem res? Aquesta destrucció sí que és irreversible.

«Com també ho és», els dic, «la d’aquest dibuix de Frida Kahlo». Alcen la vista, les celles dibuixen un arc d’incredulitat. Kahlo sí que saben qui és. I no es creuen el que els ensenye: la notícia de com un milionari, Martin Mobarak, crema un dibuix de l’artista mexicana, per tal de convertir-lo en 10.000 peces d’art digital i vendre-les com a NFT. Ho va fer a un esdeveniment públic a Miami, amb càmeres i somriures. No s’amagava, i la destrucció era tangible, dolorosa. L’alumnat s’indigna, i amb raó. «Per què sabíeu qui eren les activistes del Louvre o de la National Gallery i no coneixíeu aquest senyor?». Tampoc coneixen les altres accions dels moviments de protesta pel clima a aeroports, concessionaris de cotxes de luxe o seus de fons d’inversió.

Recorde una anècdota que em contà un amic, fa temps. Un professor universitari d’una carrera d’humanitats li pregunta a la classe si saben qui és el president de Veneçuela. Tots contesten que sí, és clar: Hugo Chávez. Seguidament pregunta «I el de Portugal?». Ningú alça la mà, o potser només ho fan un parell de persones. «Heu de preguntar-vos qui està pensant per vosaltres». Això mateix els dic a l’alumnat de l’institut. Que es pregunten per què coneixen una història i no l’altra. Per què rebutgen amb tanta violència uns actes mentre n’ignoren altres de molt més reprovables.

Encara no sabem si les accions als museus tindran un efecte positiu o negatiu a llarg termini a l’opinió pública. El plural d’anècdota no és «dades»: ens calen més estudis per a saber si generen aversió o adhesió, si influencien accions legals o governamentals més enllà del seu efecte a les percepcions de la ciutadania. El conegut com a «efecte del flanc radical» pot implicar una ampliació de la base moderada del moviment climàtic, i s’ha pogut observar al moviment pels drets civils i també al moviment feminista. Sembla estar produint-se també en aquest cas, segons la recerca disponible. I això és una bona notícia.

El que queda clar és, a parer meu, que si un vidre tacat és capaç d’insuflar vida a un debat climàtic somort i engabiat a l’agenda governamental, benvinguda siga la sopa als museus. Algun dia, els ho assegure, ens semblarà ben poca cosa. I la Gioconda, si hem fet els deures climàtics, somriurà a la fi, sabent-se part d’una història d’èxit.

 

[Imatge: Unsplash - font: www.metode.cat]

Les impressionnistes

En rupture avec l’art académique, de jeunes peintres créent dans la seconde moitié du XIXe siècle l'impressionnisme, un art moderne figuratif se distinguant des codes académiques prévalant alors par ses angles de vue nouveaux, son attention pour les impressions et lumières éphémères, ses choix de dépeindre la nature et non des thèmes mythologiques, historiques ou religieux, ainsi que par ses touches de pinceau patentes. Critiqué, incompris, soutenu par quelques galeristes, l’impressionnisme s’impose au XXe siècle et influe d’autres arts tels la littérature, la musique, la photographie et le cinéma. Le 29 décembre 2019, Arte diffusera le premier volet de "L'Impressionnisme" réalisé par Anton Khilman.

Publié par Véronique Chemla 

 

Des « œuvres qui, à l'origine, ne valaient rien se vendent aujourd'hui à prix d'or et se retrouvent dans les musées les plus prestigieux de la planète ». 

Académisme rejeté

Créée par le roi Louis XIV, l’Académie royale de peinture et de sculpture a fixé les canons, les règles du bon goût - thèmes, techniques, etc. – en louant la beauté et soulignant la pureté du trait dans le dessin. Ses références-modèles ? L’art antique. Les apprentis artistes apprenaient les couleurs dans des ateliers. 

Au cours du XVIIIe siècle, le goût pour les couleurs s’affirme, ainsi qu’en témoignent les œuvres de Boucher et de Watteau. 

Avec Goya et Delacroix, la peinture évolue.

Au milieu du XIXe siècle, grâce aux tubes de peintures et au chevalet portatif, les peintres transforment la nature en ateliers, et la photographie, par sa reproduction à l’identique de la réalité, bouleverse la peinture. 

Nouveautés

« Indépendants », « Intransigeants », « Refusés », « Groupe des Batignolles » (nom d'un quartier parisien, Nda), « Impressionnistes »… Tels sont les noms désignant un nouveau courant artistique apparu sous le Second Empire. 

 

« Le scandale impressionniste » (Sensation Impressionismus), documentaire de François Lévy-Kuentz, retrace « l'aventure d'une bande de jeunes peintres qui lancèrent dès 1874 une esthétique en rupture totale avec la peinture historique en vigueur dans les Salons officiels. Inspirés par l'École Réaliste de Barbizon de Corot, Rousseau, Millet et Daubigny, cette nouvelle génération a pour noms » Courbet, Camille Pissarro (1830-1903), Jongkind, Renoir, Bazille, Cézanne, Caillebotte, Berthe Morisot et « Claude Monet, leur chef de file ».

Place de Furstenberg située dans le quartier de Saint-Germain-des-Prés, l'atelier de Bazille surplombe celui de Delacroix. Bazille et Monet y observe le peintre romantique.

Refusés au Salon de Paris, ils exposent en 1863 au Salon des Refusés institué par l’empereur Napoléon III. Le tableau Déjeuner sur l’herbe de Manet choque : une femme est peinte nue dans un paysage peuplé d’hommes vêtus. Un scandale, car le nu était toléré dans les sujets mythologiques.

En l’écrivain Emile Zola, le mouvement impressionniste trouve un allié de taille.

En 1874, Monet, Renoir, Pissarro, Sisley, Cézanne, Berthe Morisot, Edgar Degas, "à la prodigieuse mémoire visuelle" et d’autres constituent la Société anonyme des artistes peintres, sculpteurs et graveurs afin d’organiser leur exposition, dans l'atelier du photographe Nadar, boulevard des Capucines. C’est la première des huit expositions des peintres impressionnistes entre 1874 et 1886. Elle présente les tableaux de 39 peintres, dont Eugène Boudin. C’est l’humoriste Louis Leroy qui, ironisant dans un article de la revue Charivari, sur le tableau Impression, soleil levant (1872-1873), de Monet, forge le nom de ce mouvement : l’impressionnisme.

 

Mais ce mouvement est animé de dissensions : certains affectionnent la peinture « sur le motif » en plein air, d’autres privilégient le trait sur la couleur. Manet se distancie. Tout comme Renoir, Sisley et Monet. Seul Pissarro expose dans les huit Salons.

Leurs thèmes picturaux : des scènes de la vie quotidienne, des paysages peints « sur le motif ».

 

« S'appuyant sur les lettres des principaux protagonistes de l'impressionnisme (Corot, Pissarro, Cézanne, Renoir, Monet, Manet, Van Gogh ou Morisot), ce documentaire raconte l'aventure de la lumière, comment celle-ci est devenue l'élément premier de l'œuvre, détrônant le dessin ».

Il explique « la méfiance du public et de la critique envers ce combat « révolutionnaire » qui remet en cause la façon de voir les formes et la lumière ». Qui achète les œuvres des impressionnistes ? Pas l’État. Mais des collectionneurs privés tels le peintre Gustave Caillebotte, Charles Ephrussi, issu d’une famille juive de banquiers et de négociants en blé, le chimiste Paul Bérard, le négociant en tissus Ernest Hoschedé, le médecin Georges de Bellio et l’ingénieur Henri Rouart...

En une trentaine d’années, le public apprécie l’impressionnisme. Un goût qui perdure au XXIe siècle, et révèle aussi le désintérêt pour un art « conceptuel », abstrait, pédant, dédaignant la beauté. 

 

Un « combat qui réussit à s'imposer après trente ans grâce au soutien du marchand d'art Paul Durand-Ruel, notamment avec l'entrée d’œuvres majeures dans les musées nationaux ». Précurseur, grâce à un réseau de galeries mondiales et ses relais médiatiques, Paul Durand-Ruel (1831-1922) organise  des expositions à Londres et à New York. La côte des impressionnistes monte, mais pas avec la même rapidité pour tous : dès 1879, Renoir bénéficie de rentrées régulières. Pour Monet, l’aisance financière arrive au début des années 1880, et pour Pissarro dans les années 1890. Mais Sisley décède pauvre.

« À partir de documents d'époque, ce film foisonnant et documenté dessine la trajectoire de ce mouvement populaire qui fut à l'origine de l'art moderne ». 

Lui ont succédé un néo-impressionnisme, un postimpressionnisme, un pointillisme représenté par Georges Seurat et Paul Signac. Après une brève expérience du pointillisme, Pissarro revient à l'impressionnisme. Cézanne ouvre la voie à l'art moderne.

D’autres arts sont influencés par l’impressionnisme : la musique (Claude Debussy, Maurice Ravel, Paul Dukas, Erik Satie), la littérature (Mirbeau).

"Un dimanche au musée - L'impressionnisme"
Dans la série documentaire "Un dimanche au musée" (Unter der Lupe - 3 Maler, 9 Werke), "L'impressionnisme" (Impressionismus) est réalisé par Anton Khilman.

"De la Renaissance à l’expressionnisme, cette série documentaire jeunesse explore des œuvres emblématiques de l’histoire de la peinture. Cette série pédagogique décrypte les grands courants picturaux au travers d’épisodes thématiques mettant en vedette trois artistes et trois de leurs toiles majeures. Dans le premier volet : Monet, Cézanne et Sisley, des maîtres de l'impressionnisme. Dans le second volet : l’impressionnisme avec Camille Pissarro, Auguste Renoir et Vincent Van Gogh".

Impressionists in London
La Tate Britain Gallery présente l'exposition Impressionists in London. Elle évoque les artistes impressionnistes qui ont fui la guerre de 1870 en France et ont trouvé refuge en Angleterre.

 

"The story of the artists who fled to Britain to escape war in France. This exhibition presents captivating works by Monet, Tissot, Pissarro and their compatriots. In the 1870s, France was devastated by the Franco-Prussian war and insurrection in Paris, driving artists to seek refuge across the Channel. Their experiences in London and the friendships that developed not only influenced their own work but also contributed to the British art scene. The EY Exhibition: Impressionists in London, French Artists in Exile (1870 – 1904) is the first exhibition to map the connections between French and British artists, patrons and art dealers during a traumatic period in French history. Highlighting their engagement with British culture, traditions and social life, their art is a fascinating insight into how London was perceived by the visiting French artists and the remarkable works that came from their time here are not to be missed. Also features works from Dalou, Sisley, Derain and Legros."

"Tate Britain brings together over 100 beautiful works by Monet, Tissot, Pissarro and others in the first large-scale exhibition to chart the stories of French artists who sought refuge in Britain during the Franco-Prussian War. The EY Exhibition: Impressionists in London, French Artists in Exile (1870-1904) maps the artistic networks they built in Britain, considers the aesthetic impact London had on the artists’ work, and presents instantly recognisable views of the city as seen through French eyes."

"The EY Exhibition: Impressionists in London looks at French painters’ keen observations of British culture and social life, which were notably different to the café culture found in Paris. Evocative depictions of figures enjoying London parks such as Pissarro’s Kew Green 1892 are shown, that were in stark contrast to formal French gardens where walking on the grass was prohibited. Scenes of regattas fringed with bunting as painted by Alfred Sisley and James Tissot in The Ball on Shipboard c.1874 are also displayed, demonstrating how British social codes and traditions captured the imagination of the Impressionists at the time."

"While in London, French artists gravitated towards notable figures who would help them develop their careers and provide them with financial support. The exhibition looks at the mentorship Monet received from Charles-François Daubigny and considers the significant role of opera singer and art patron Jean-Baptiste Faure – works that he owned including Sisley’s Molesey Weir, Hampton Court, Morning 1874 are exhibited. One of the most influential figures to be celebrated is art dealer Paul Durand-Ruel, who first met Monet and Pissarro in London during their exile in 1870-71. Durand-Ruel purchased over 5,000 Impressionist works over his lifetime which, in Monet’s own words, saved them from starving."

"Part of the exhibition examines the central role of Alphonse Legros in French émigré networks. As Professor of Fine Art at the Slade School in London from 1876 to 1893, he made a dynamic impact on British art education both as a painter and etcher, and exerted a decisive influence on the representation of peasant life as can be seen in The Tinker 1874. He introduced his patrons Constantine Alexander Ionides and George Howard, 9th Earl of Carlisle, to sculptor Aimé-Jules Dalou who then, together with fellow sculptor and émigré Edouard Lantéri, shaped British institutions by changing the way modelling was taught. Jean-Baptiste Carpeaux’s sojourns in London, which he initially planned in order to stay close to his great patron, the exiled Emperor Napoleon III, are also examined."

"The final and largest section of the exhibition is dedicated to representations of the Thames. Featuring a group of Monet’s Houses of Parliament series, this room looks at how depictions of the Thames and London developed into a key theme in French art. A selection of André Derain’s paintings of London landmarks, which answer directly to Monet’s, demonstrate the continuity of this motif in art history. The show concludes with the Entente Cordiale – a formal pact of peace and unity between Britain and France – which, in the case of Monet in particular, coincided with the culmination of an artistic project which started in 1870."

"The EY Exhibition: Impressionists in London, French Artists in Exile (1870-1904) is curated by Dr Caroline Corbeau-Parsons, with Assistant Curator Elizabeth Jacklin, in collaboration with the Petit Palais and Paris Musées. The exhibition will be accompanied by a fully illustrated catalogue and a programme of talks and events in the gallery."

Le Japon

"Quand les impressionnistes découvrent le Japon..." (Als die Impressionisten Japan entdecken) est un documentaire réalisé par Jerôme Lambert et Philippe Picard.

"À l’occasion des 150 ans de l’ère Meiji, marquant l’ouverture du pays du Soleil-Levant à l’occident, retour sur la mode du japonisme qui influença les avant-gardes européennes dans la seconde moitié du XIXe siècle - Manet, Monet, Degas, Van Gogh ou Whistler..."

"Avec l’entrée de la flotte américaine dans la baie de Tokyo en 1853, dans un Japon fermé aux navires étrangers depuis deux siècles, l’occident découvre l’art nippon, ses estampes et son raffinement. À l’aube de l’ère Meiji, des collectionneurs, tels Guimet, Cernuschi ou encore les frères Goncourt, sillonnent le pays pour en rapporter des merveilles, devant lesquelles le public des expositions universelles de Londres ou de Paris va s'extasier. Bientôt, la vogue du japonisme – et La grande vague de Kanawaga d’Hokusai – submerge tous les arts : peinture, arts décoratifs, musique et danse. Habitée par l’Extrême-Orient, fût-il imaginaire, l’avant-garde artistique européenne – Manet, Monet, Degas, Van Gogh ou Whistler... – s’empare de cette esthétique pour mener sa révolution, de laquelle émergeront les mouvements impressionniste et nabi. L’Europe tourne son regard vers l’Asie, avant de découvrir l’Afrique…"

"D’ateliers en voyages initiatiques, de galeries en chroniques littéraires, ce documentaire plonge dans cette époque d’ébullition artistique pour en restituer l’atmosphère et brosser le portrait de ses grandes figures. S’appuyant sur la photographie en pleine explosion derrière le maître Nadar, et sur des scènes reconstituées en ombres chinoises, il revisite avec bonheur les œuvres emblématiques de cette rupture augurant la modernité."

"L'impressionnisme" par Anton Khilman
Royaume-Uni, 2017, 15 min
1er volet : "L'impressionnisme" (Impressionismus) : sur Arte le 29 décembre 2019 à 08 h 20. Disponible du 22/12/2019 au 26/02/2020
2e volet : "L'impressionnisme (Impressionismus) : sur Arte le 5 janvier 2020 à 08 h 00. Disponible du 29/12/2019 au 04/03/2020

Du 2 novembre 2017 au 7 mai 2018A la Tate Britain
Millbank, Westminster, London SW1P 4RG
Tel. : +44(0)20 7887 8888
Du lundi au dimanche de 10 h à 18 h

"Quand les impressionnistes découvrent le Japon...", de Jerôme Lambert et Philippe Picard
France, 2017, 53 min.

Sur Arte le 6 mai 2018 à 17 h 35
Visuel :
"Nocturne Tokyo", Shizuoka Museum
Credit : © Kobayashi Kiyochika _Nocturne

 

« Le scandale impressionniste » de François Lévy-Kuentz

Arte France, Scotto Productions, 2010, 52 min
Texte lu par François Marthouret

Sur Arte les 24 juillet à 17 h 35 et 24 août 2016 à 3 h 55

Visuels : © Library of Congress, © RMN (Musée d'Orsay)/Hervé Lewandowski et © Musée d'Orsay

Les citations sont extraites du site d'Arte. Cet article a été publié le 23 juillet 2016, puis le 5 mai 2018. 

[Source : www.veroniquechemla.info]

Tony Curtis (1925-2010)

Né aux États-Unis dans une famille juive pauvre d’origine hongroise, Tony Curtis  (1925-2010) débute à Hollywood après la fin de son engagement dans l’US Navy. Il excelle dans la comédie et le drame. Une star politiquement engagée pour le parti démocrate, dans le mouvement des droits civiques, et un philanthrope ayant financé la réhabilitation du patrimoine juif en Hongrie. Les 4 et 19 décembre 2019, Arte rediffusera "La Chaîne" par Stanley Kramer avec Tony Curtis et Sidney Poitier.

Publié par Véronique Chemla

« Yeux de braise, coiffure de rebelle et torse lisse, qu'il dénude volontiers : à l'aube des années 1950, à 24 ans, Tony Curtis, né Bernard Schwartz, fut l'un des premiers sex-symbols masculins d’Hollywood » auprès des adolescentes, et une star ayant excellé dans la comédie et le drame, au cinéma et à la télévision.

Témoignent de sa célébrité : la série Les Pierrafeu qui le croque en Stony Curtis (1965), son portrait en couverture du célèbre album Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967) des Beatles, l'influence de sa coiffure rebelle sur Elvis Presley et James Dean…

Du Bronx à Hollywood

C’est une Rags-to-riches story comme les affectionnent les Américains.

Bernard Herschel Schwartz naît en juin 1925 dans une famille juive pauvre aux origines hongroise et slovaque. Son père Emanuel est tailleur. Bernie Schwartz grandit dans le Bronx, à New York.

« Quand j’étais enfant, ma mère me battait et était très agressive », se souvenait Tony Curtis. Sa mère et son frère Robert souffraient de schizophrénie. Son frère Julius décède âgé de neuf ans, fauché par un camion en 1938. C’est Bernie Schwartz, âgé de douze ans et parlant l’américain, qui est appelé à l’identifier à la morgue.

"Les Jeunesses allemandes défilaient, faisaient les salut nazi. Avec des copains, armés de préservatifs remplis de cadeaux précieux, et on attendu. On les a fait tourner dans les airs, et ils sont tombés sur ces nazillons", raconte Tony Curtis.

Sur les conseils d’un ami de la famille, il est envoyé dans un camp scout. Ce qui canalise son énergie, l’apaise et lui évite de tomber dans la délinquance.

Adolescent, Bernie Schwartz joue un petit rôle dans une pièce de théâtre dans le cadre scolaire.

Après l’attaque japonaise contre le port de Pearl Harbor, inspiré par les rôles interprétés par Cary Grant dans Destination Tokyo et Tyrone Power dans Crash Dive (1943), cet adolescent de 16 ans s’engage dans la Marine contre le Japon impérial, et sert dans un sous-marin envoyé dans le Pacifique. 

Le 2 septembre 1945, du pont du navire américain, il assiste à la capitulation japonaise.

Démobilisé, ce vétéran reprend ses études grâce au G.I. Bill. À la New School of Social Research de Greenwich Village, ce cinéphile enthousiaste suit des cours de comédie. Parmi les autres apprentis comédiens : Walter Matthau, Beatrice Arthur, et Rod Steiger. Tony Curtis doit se débarrasser de son accent du Bronx.

La talent agent et directrice de casting, Joyce Selznick repère ce jeune acteur séduisant et charmant.

Âgé de 23 ans, il arrive à Hollywood où il complète sa formation : cours d’escrime, d’équitation, de danse, etc. Il signe un contrat de sept ans avec la firme Universal et prend pour nom d’artiste Tony Curtis. Il fréquente des acteurs qui cherchent aussi à percer : Rock Hudson, Julie Adams et Piper Laurie. En 1948, il noue une relation amoureuse avec Marilyn Monroe dont il apprécie la gentillesse et la générosité, et dont il perçoit la fragilité. La starlette porte des cheveux auburn et des chemisiers transparents.

Criss Cross et City Across the River  (1949)… Il débute dans des swashbucklers (films de cape et d’épée), des westerns et des comédies légères.

À 24 ans, Tony Curtis devient un phénomène de société : ses fans adolescentes déchirent ses vêtements. Universal lui confie des premiers rôles avec Piper Laurie.

Dans une soirée de la RKO, il rencontre l'actrice Janet Leigh, plus connue que lui et sous contrat avec le prestigieux studio MGM. En 1951, malgré les menaces du studio, il épouse Janet Leigh, une des stars de la MGM, et a pour témoin Jerry Lewis. Le couple a deux filles : Jamie Lee Curtis, qui deviendra actrice, Kelly Curtis. Il tourne dans plusieurs films à succès : Houdini. Il pose avec Harry Belafonte en couverture du magazine le plus important des Afro-américains, Ebony. 

Lew Wasserman, agent de son épouse, insiste pour qu'Universal autorise Tony Curtis à tourner dans des films hors de ce studio.

Les années 1950 et 1960 voient l’apogée de sa carrière cinématographique.

Tony Curtis aborde des rôles de composition dans Trapèze, de Carol Reed (1957) avec Burt Lancaster et Gina Lollobrigida, puis Le grand chantage (Sweet Smell of Success) de Alexander Mackendrick (1957), avec Burt Lancaster.

Tony Curtis crée sa maison de production. Mais il connait un succès moindre que Kirk Douglas et Burt Lancaster, acteurs-producteurs.

Les Vikings (Die Wikinger)
Les Vikings est un film dramatique d'aventures réalisé par Richard Fleischer. « Au temps des Vikings, deux frères ennemis, incarnés par Kirk Douglas et Tony Curtis, se disputent la même femme, la belle Janet Leigh... Signé Richard Fleischer, un grand classique du film d’aventures en Cinémascope ».

« Vers l’an 900, les Vikings envahissent l’Angleterre. Leur chef, Ragnar, tue Edwin, le roi de Northumbrie, et viole son épouse, la reine Enid. De cette barbarie naît un fils, Eric, envoyé dans un monastère pour le préserver de la colère d’Aella, le nouveau roi tyran. Celui-ci accuse son cousin Egbert de conspirer contre lui et le jette en prison. Parvenu à s’enfuir, Egbert rejoint Ragnar, qui lui présente Einar, son fils. Ce dernier est bientôt éborgné par le faucon d’Eric, devenu esclave des Vikings. Peu après, Einar enlève la fiancée d’Aella, la princesse Morgana, qui parvient à s’échapper avec la complicité d'Eric… »

« Mésestimé par la critique, oublié par le public, Richard Fleischer eut pourtant une longue carrière riche d’une cinquantaine de films, dont 20 000 lieues sous les mers et Soleil vert. Quand il se lance dans le tournage en Cinémascope des Vikings, il fait appel à Kirk Douglas, à la fois comme acteur et producteur, lui-même séduit par ce récit d’aventures tragique au motif simple et beau : deux frères ennemis qui se disputent la même femme ».

Le « temps aurait pu ternir l’éclat de cette fresque flamboyante aux somptueux décors naturels, il n’en est rien. Le souffle épique qui s’en dégage demeure intact ».

"La Chaîne"

La chaîne" (Flucht in Ketten ; The Defiant Ones) est un film réalisé par Stanley Kramer (1958), au scénario de Harold Jacob Smith, d'après une histoire de Nedrick Young, avec Tony Curtis, coproducteur, et Sidney Poitier. "Liés par une chaîne, deux détenus entament une périlleuse cavale... Avec Sidney Poitier et Tony Curtis, un vibrant plaidoyer contre le racisme doublé d'une audacieuse ode à la solidarité."

"Lors d'un transfert de prisonniers dans le sud des États-Unis, John "Joker" Jackson et Noah Cullen profitent de l'accident de leur fourgon cellulaire pour s'échapper. Liés l'un à l'autre par une chaîne, les deux détenus – le premier est Blanc, le second, Noir – se vouent une aversion réciproque. Mais alors que le shérif Muller monte une battue pour les rattraper, Joker et Noah doivent apprendre à coopérer s'ils veulent échapper à leurs poursuivants et survivre. Remontant vers le nord, ils atteignent une bourgade où ils espèrent se libérer de l'acier qui les entrave. Mais les villageois, qui les reconnaissent, les capturent et les promettent à la corde…"

"Près de dix ans avant Devine qui vient dîner ?, Stanley Kramer (Le train sifflera trois fois, L'équipée sauvage, Procès de singe) offrait déjà à Sidney Poitier (La porte s'ouvre, Dans la chaleur de la nuit) un rôle mémorable de personnage en butte au racisme et à l'inique violence. Au-delà du vibrant plaidoyer contre la ségrégation raciale, toujours vive aux États-Unis, La chaîne met en scène l'indispensable apprentissage de l'entraide et de la compréhension mutuelle imposé par leur situation commune à ces deux évadés que tout sépare, excepté leur condition initiale d'employés de seconde zone : le Blanc, joué par Tony Curtis (Opération jupons, Le miroir se brisa), était rétribué au pourboire comme voiturier, tandis que le Noir trimait comme homme de ménage. Récompensée par de nombreux prix, leur tumultueuse cavale s’affirme aussi, et surtout, comme une généreuse leçon de solidarité à l’encontre des préjugés."

Tony Curtis insiste pour que le nom de Sidney Poitier soit placé en haut de l'affiche, au côté du sien.

« Kramer croyait à la fraternité et à la solidarité... Un simple élément suffit à prouver le courage et la sincérité de Stanley Kramer. Le coscénariste Nathan E. Douglas n'existe pas. Derrière ce pseudonyme se cachait Nedrick Young, acteur et scénariste victime des persécutions maccarthystes, auquel Kramer permit ainsi de retravailler. » (André Moreau dans Le guide du cinéma chez soi édité par Télérama en 2002.)

En 1959, lors de la 31e cérémonie des Oscar, le film La Chaîne est sélectionné dans neuf catégories, dont celle de Meilleur acteur pour Tony Curtis et Sidney Poitier, et est distingué par deux Oscar pour la Meilleure photographie en noir et blanc (Sam Leavitt) et le Meilleur scénario original (Nedrick Young et Harold Jacob Smith). Sidney Poitier reçoit l'Ours d'argent du 9e Festival international du film de Berlin 1958.

Fervent démocrate

Ce fervent démocrate - il assiste à la convention nationale démocrate en 1960 - s’engage pour le mouvement des droits civiques, et met sa célébrité au service du combat contre la ségrégation : il tourne et coproduit dans La chaîne (The Defiant Ones, 1958), de Stanley Kramer avec Sidney Poitier), ou « à défendre l'ambiguïté sexuelle d'un rôle (Spartacus) » de Stanley Kubrick avec Kirk Douglas, Laurence Olivier, Peter Ustinov, Jean Simmons, Charles Laughton. Laurence Olivier et Tony Curtis nouent une profonde amitié lors du tournage. Ils parviennent à convaincre le producteur Kirk Douglas de remettre au planning la scène du bain.

Et « son irrésistible prestation" dans Certains l'aiment chaud (Some Like It Hot, 1959), de Billy Wilder aux côtés de Jack Lemmon et de Marilyn Monroe, "qu'il en vient à haïr pour ses retards légendaires, est entrée au panthéon du septième art ». Une "comédie risquée dans une oeuvre hybride". Un chef d'œuvre.

Opération jupons

« 1941. Une énième attaque japonaise vient de saborder le sous-marin Tigre des mers, que son capitaine tient à relancer de toute urgence dans la bataille. Un jeune lieutenant, dandy et escroc hors pair, vient à sa rescousse, flanqué de cinq auxiliaires... féminines ».

Ce « premier opus hollywoodien de Blake Edwards, le maître américain de l'absurde, est un pastiche jubilatoire des films de guerre des années 1950. Le capitaine affiche une détermination farouche et son beau lieutenant (Tony Curtis dans un rôle taillé sur mesure), une effronterie sans égale. Mais la situation sombre très vite dans la loufoquerie la plus totale. Les vains efforts de Cary Grant pour garder à bord de son submersible un semblant de conformisme militaire sont délicieusement jouissifs. Détournant les codes de virilité et d'héroïsme en vigueur, le réalisateur de The party évite l'écueil de la farce sexiste et développe ce qui deviendra sa marque : le génie du choc situationnel ».

Tony Curtis confiait avoir quasiment tout appris comme spectateur de films américains : les règles de la courtoisie et de galanterie à l’égard des femmes, un savoir-être, l’élégance vestimentaire, etc. Et Cary Grant a personnifié pour le jeune new-yorkais cette quintessence masculine. Ce film de Blake Edwards réunit Cary Grant et l’étoile montante qui l’avait gentiment parodié  dans Some Like it Hot de Billy Wilder.

Sérénité

Tony Curtis divorce en 1962. "La pression du métier rendait la situation difficile". Lors du tournage de Taras Bulba, il s'éprend de Christine Kaufmann.

Tony Curtis forme aussi un couple glamour avec sa deuxième épouse, l'actrice Christine Kaufmann (1963-1968) ; le couple a deux filles Alexandra et Allegra. 

Tony Curtis vit ses « années flamboyantes » : Taras Bulba (1962) de Jack Lee Thompson avec Yul Brynner et Christine Kaufmann, Sex and the Single Girl (Une vierge sur canapé, 1964) de Richard Quine avec Natalie Wood, Lauren Bacall, Mel Ferrer et Henry Fonda, etc.

La Grande course autour du monde

En 1965, Blake Edwards réalise The Great Race (La Grande course autour du monde)  avec Tony Curtis, Natalie Wood, Jack Lemmon, et Peter Falk...

"1908. Six voitures prennent le départ de la première grande course automobile autour du monde qui va de New York à Paris. Parmi les concurrents, l'ignoble professeur Fate et son âme damnée, Max, sont prêts à tout pour éliminer leurs adversaires. Bientôt, ils n'ont plus qu'un seul concurrent : le séduisant Leslie. Ce dernier voyage dans sa "Leslie spécial" en compagnie de Maggie DuBois, une jolie journaliste new-yorkaise et féministe..."

"Une course-poursuite hilarante et échevelée autour du monde, entre l'ignoble professeur Fate et l'élégant Leslie... Un film culte signé Blake Edwards, avec une distribution éblouissante".

Cette "comédie échevelée inspirée du slapstick (burlesque muet) est hilarante de la ligne de départ à celle d'arrivée. Des sabotages à répétition aux bagarres de tartes à la crème (celle du palais de Carpania est directement inspirée de La bataille du siècle réalisé par Laurel et Hardy en 1927), des courses-poursuites en Alaska et dans la jungle jusqu'à l'écroulement de la tour Eiffel, Blake Edwards ne s'autorise aucun temps mort. Il réalise là un de ses meilleurs films, servi par une époustouflante distribution - notamment Jack Lemmon, parfait en ignoble professeur Fate, et Tony Curtis, irrésistible en pilote de charme d'une élégance à toute épreuve".

En 1968-1969, Hanna et Barbera se sont inspiré du film pour créer Wacky Races (Les Fous du volant), dessin animé américain.

Maturité

À  la maturité d'acteur « succède un long et douloureux déclin » du à la crise des studios hollywoodiens, et aux mutations de la société américaine.

Même si Tony Curtis « tourne encore quelques grands films - L'étrangleur de Boston (The Boston Strangler 1968) de Richard Fleischer avec Henry Fonda et Sally Kellerman, Le dernier nabab (Last Tycoon, 1976) d'Elia Kazan avec Robert de Niro, Robert Mitchum, Jack Nicholson, Dana Andrews, Ray Milland, Peter Strauss, Jeanne Moreau et Theresa Russell.
 
De son troisième mariage avec Leslie Allen (1968-1982), naissent deux fils Nicholas (1970-1994), qui décède une overdose d’héroïne, et Benjamin.

Il savoure de grand succès de télévision avec Amicalement vôtre » (The Persuaders!) avec Roger Moore et Mc Coy, il « est rattrapé par les fantômes de l'enfance ». Il voit sa célébrité décliner.

Dans les années 1980, il surmonte ses addictions à l’alcool et à la drogue lors de séjours à la Betty Ford Clinic.

Tony Curtis s’adonne à la photographie et à la peinture : il revendiquait Van Gogh, Matisse, Picasso et Magritte parmi les artistes qui l’avaient influencé.

Dans les années 1990, Tony Curtis et Jamie Lee Curtis contribuent à la reconstruction de la grande synagogue de Budapest (Hongrie) endommagée lors de la Deuxième Guerre mondiale. Tony Curtis fonde en 1998 le Fondation Emanuel pour la culture hongroise, dont il a été le président honoraire. Cette institution vise à la restauration et à la préservation de synagogues et de 1300 cimetières juifs en Hongrie. Tony Curtis a dédié cette Fondation aux 600 000 victimes juives de la Shoah en Hongrie et dans les territoires occupés par l’Armée hongroise.

Après deux mariages qui finissent par deux divorces - Andrea Savio (1984-1992) puis Lisa Deutsch (1993 – 1994), Tony Curtis épouse Jill Vandenberg (1998-2010).

En 2008, Ian Ayres réalise The Jill and Tony Curtis Story. Un documentaire retraçant les efforts du couple Curtis pour sauver des chevaux des abattoirs. Satisfaite par le film, la famille Curtis a invité le réalisateur à réaliser un documentaire sur la vie de Tony Curtis.

« Tony Curtis, le gamin du Bronx » (Tony Curtis - Der Kerl Aus Der Bronx) est un documentaire réalisé par Ian Ayres. Archives filmées inédites, confidences émouvantes et intimes de Tony Curtis, témoignages de Hugh Hefner, Debbie Reynolds, Piper Laurie, Harry Belafonte, Mamie Van Doren, Theresa Russell, Jill Curtis, Jamie Lee Curtis, Christine Kaufmann, Roger Moore, Nicolas Roeg... « Tony Curtis, le gamin du Bronx  » de Ian Ayres (2010) offre un « voyage intime avec l'une des dernières icônes de l'âge d'or hollywoodien… Entre ombre et lumière ».

Tony Curtis s’y livre, avec ses regrets de n’avoir eu aucun Oscar. 

Il a été distingué par le Lone Sailor Award de l’US Navy et l’Ordre des Arts et des Lettres en 1995 et figure dans le Hollywood Walk of Fame.

Les Vikings, par Richard Fleischer
Bryna Productions, 1958, 112 min
Auteur : Edison Marshall
Image : Jack Cardiff
Montage : Elmo Williams
Musique : Mario Nascimbene
Producteur/-trice : Jerry Bresler
Scénario : Calder Willingham, Dale Wasserman
Avec Kirk Douglas (Einar), Tony Curtis (Éric), Janet Leigh (Morgana), Ernest Borgnine (Ragnar), James Donald (Egbert), Maxine Audley (Enid), Alexander Knox (le père Godwin), Frank Thring (Aella)
Sur Arte les 18 décembre à 20 h 50 et 20 décembre 2016 à 13 h 35

"La Chaîne" par Stanley Kramer
Etats-Unis,  1958, 97 minutes
Scénario : Nedrick Young, Harold Jacob Smith
Production : Curtleigh Productions, Stanley Kramer Productions
Producteur/-trice : Stanley Kramer
Image : Sam Leavitt
Montage : Frederic Knudtson
Musique : Ernest Gold
Avec Tony Curtis, Sidney Poitier, Theodore Bikel, Charles McGraw, Lon Chaney Jr., King Donovan, Claude Akins, Cara Williams
Sur Arte les 2 décembre 2019 à 20 h 55, 4 décembre 2019 à 13 h 35 et 19 décembre 2019 à 13 h 35
Visuels : © 1958 Metro-Goldwyn-Mayer Studios

« Opération Jupons » de Blake Edwards
Universal International Pictures, Granart Company, 1959, 77 min
Sur Arte les 21 mars à 20 h 55 et 23 mars 2016 à 13 h 35
Auteur : Paul King, Joseph Stone
Image : Russel Harlan
Montage : Frank Gross, Ted J.Kent
Musique : David Rose, Henry Mancini
Producteur/-trice : Robert Arthur, Cary Grant
Scénario : Stanley Shapiro, Maurice Richlin
Avec Cary Grant, Tony Curtis, Joan O'Brien, Dina Merrill, Gene Evans, Dick Sargent, Virginia Gregg

La Grande course autour du monde, de Blake Edwards
Warner Bros., Patricia, Jalem Productions, Reynard, Martin Jurow, 1965, 146 min
Auteur : Arthur A. Ross, Blake Edwards
Image : Russell Harlan
Montage : Ralph E. Winters
Musique : Henry Mancini
Scénario:  Arthur A. Ross
Avec Jack Lemmon, Tony Curtis, Nathalie Wood, Peter Falk, Arthur O'Connell, Dorothy Provine, Larry Storch, Ross Martin

Sur Arte les 25 mars à 13 h 35 et 13 avril 2016 à 13 h 35

« Tony Curtis, le gamin du Bronx » (Tony Curtis - Der Kerl Aus Der Bronx) par Ian Ayres
2011, 56 min
Sur Arte le 21 mars à 22 h 50, 18 décembre à 22 h 40 et 21 mars 2016 à 22 h 50
Sur Ciné Classic les 12 avril 2019 à 22 h 20 et 17 avril 2019 à 12 h 30

Visuels : © WDR/Degeto et © French Connection Film

Les citations sur les films sont d'Arte. L'article a été publié le 21 mars 2016, puis les 17 décembre 2016 et 9 avril 2019.

[Source : www.veroniquechemla.info]